Ralf Lürig ist Künstler und achtfacher Familienvater. Seine Kinder sind eine Inspirationsquelle für seine humorvollen und fantasievollen Bilder. Lürig möchte durch seine Kunst den Menschen Freude und Beschaulichkeit schenken. Wie er Kunst und Familienleben unter einen Hut bekommt, erzählt er im Interview.

Lieber Herr Lürig, Sie arbeiten als Künstler und sind gleichzeitig achtfacher Familienvater. Wie bekommt man das alles unter einen Hut?

Beide Themen, Künstler zu sein und Vater einer großen Familie, sind eine Frage der Berufung und der Leidenschaft. Man wächst in beide Aufgaben hinein. Die Kinder kommen nach und nach und man organisiert sich stets neu, überdenkt die Situation, verbessert Dinge und so spielt sich die Familie aufeinander ein. Klar ist, wenn man als Paar kein gut funktionierendes Team ist, dann geht das nicht. Meine Frau unterstützt mich in allen künstlerischen Fragen und nimmt mir viel ab, was zum Beispiel Kundengespräche, Büroarbeit, Organisation, Ausstellungsplanung etc. anbelangt. Dafür helfe ich in der Familie mit, koche viel, kaufe ein und habe feste Aufgabenbereiche im Haushalt.

Die Kinder helfen beim Haushalt, mit den jüngeren Geschwistern und den Arbeiten im Internet (Homepage, Shop, Fotobearbeitung, etc.) super mit! Auch unsere baldige Schwiegertochter passt da sehr gut zu uns und ist eine tolle Kraft!

Während meiner Zeit als Kirchenmaler war ich nur am Wochenende Zuhause. Das war natürlich für alle eine große Belastung. Andererseits konnte ich als Künstler viele Erfahrungen machen und Projekte verwirklichen, von denen andere nur träumen. Doch auch solche Zeiten übersteht man und wagt dann neue Wege, die auch wieder spannend sind. Ohne risikofreudig zu sein, braucht man weder als Künstler noch als achtfacher Vater anzufangen!

“Ich schenke Menschen mit meiner Kunst ein Stück Beschaulichkeit, Poesie und Freude.”

Inwiefern sind Ihre Kinder eine Inspirationsquelle für Ihre großartigen, fantasievollen und liebevollen Bilder?

Wir führen ein sehr heiteres und turbulentes Familienleben (eigenes Familien-Ensemble mit Konzerten, ungewöhnliche, aufwendige Familienfeiern, diskussionsfreudige Runden, viele Gäste, …) Durch diese Fülle an spannenden Momenten ergeben sich ständig Situationen, die mich inspirieren: durch lustige Vorkommnisse, Sprüche der Kinder, Komik am Esstisch, Spielzeug etc.

Ihre Bilder zeigen skurrile Szenen, mal witzig, mal tiefsinnig und sehr poetisch. Rauchende Fische, einen Mann auf einer Pusteblume oder Schuhe aus Bananenschalen. Was treibt Sie an in Ihrer Kunst?

In einer Zeit, die doch für viele sehr unruhig ist und sorgenvoll, möchte ich mit meiner Kunst den Menschen ein Stück Beschaulichkeit, Poesie und Freude schenken. Das Heitere ist ein Teil meiner Persönlichkeit und eine nicht zu unterschätzende Kraftquelle. Wenn ich durch meine Bilder diese Saiten bei anderen Menschen zum Schwingen bringe, dann ist das wunderbar und erfüllend.

Wann sind Sie zufrieden mit einem Kunstwerk? Wer sind die schärfsten Kritiker: Sie selbst, Ihre Frau oder Ihre Kinder?

Wenn meiner Frau das Bild gefällt und sie es nicht verkaufen mag, dann ist es gut geworden!
Während ich selbst mein schärfster Kritiker bin, ist meine Frau meine beste Kritikerin, denn sie baut mich auf, übt konstruktive Kritik und sieht Dinge aus einer anderen Perspektive. Wir sitzen oft zusammen vor den Gemälden, die in Arbeit sind und überlegen gemeinsam, was zu verbessern ist.

Sie sind in einem Geschäft für Modellbau und Künstlerbedarf groß geworden. Konnten Sie sich je etwas anderes vorstellen, als Künstler zu werden? Und wie haben Sie es geschafft von ihrer Kunst zu leben?

Es war mir von Anfang an klar, dass ich in einer kreativen, künstlerischen Arbeit wirken wollte. Allerdings hat es einige Jahre gedauert, bis ich meinen Weg gefunden hatte. Ich habe erst an der Staatsoper Hannover Bühnenmaler und Bühnenbildner gelernt, bis ich mich speziell auf die Malerei fokussiert habe. Nach einem Studium der klassischen Malerei und Grafik ging es dann gleich als Kirchenmaler weiter, später habe ich mein eigenes Atelier nebst Galerie eröffnet. Hinzu kam vor elf Jahren die intensive Zusammenarbeit mit den Aida-Kreuzfahrtschiffen, auf denen ich weltweit meine Bilder verkaufe. Man muss sehr flexibel sein, um von der Kunst leben zu können! Ich habe auch eine Kunstschule aufgebaut, Aufträge verschiedenster Bereiche angenommen, auf Messen vorgeführt, für Firmen gearbeitet, an Schulen Kunst unterrichtet und vor allem immer wieder Ausstellungen gemacht. Aber frei zu arbeiten ist natürlich das Schönste und in der Regel mache ich das jetzt auch. Es ist nicht leicht, von der Freiberuflichkeit zu leben und erfordert viel Gottvertrauen, Mut und Durchhaltevermögen! Aber etwas anderes war für mich nicht denkbar!

“Als Künstler ist man gelegentlich gezwungen Kompromisse zu finden”

Was würden Sie jungen Künstlerinnen und Künstlern empfehlen, die von ihrer Kunst leben wollen?

Jungen Künstlern rate ich, einerseits ihren persönlichen künstlerischen Ausdruck zu finden, aber andererseits über der Selbstverwirklichung nicht zu vergessen, dass es auch eine wirtschaftliche Seite gibt, wenn man davon existieren möchte. So ist man gelegentlich gezwungen Kompromisse zu finden. Diese Flexibilität ist oft erforderlich, kann jedoch im Optimalfall sogar neue, kreative Bereiche auftun.

Wo kann man ihre Kunst sehen und wo kann man sie erwerben?

Meine Kunst kann man bei mir im Atelier direkt sehen und erwerben: Atelier Lürig, Hauptstr. 3, 78267 Aach, dann auch auf unserer Homepage oder auf unserer etsy-Seite im Shop. Wir freuen uns sehr, über Kunstinteressierte, Sie können uns auch direkt anrufen (Telefon: 07774/3571279 oder 0172/6221096) oder eine Mail (ralf-luerig@outlook.com) schreiben!

Jan Olschewski findet, dass der Fliege zu Unrecht ein schlechter Ruf anhaftet und will mit seiner Kunst ein Bewusstsein für die Insektenwelt und insbesondere die Fliege schaffen. Was es mit “Transmutations” auf sich hat und warum man in Berlin seinen Fliegen über den Weg laufen könnte, erzählt er im Interview.

In Ihrer Kunst befassen Sie sich derzeit intensiv mit der Schnittmenge von Kunst und Insekten und speziell mit der Beziehung von Mensch und Fliege. In welcher Beziehung stehen Mensch und Fliege denn und wo setzen Sie da mit Ihrer Kunst an?

Die Beziehung von uns Menschen und der Welt der Fliegen – ich beziehe mich hier im Besonderen auf die Unterordnung der „Brachycera“, die neben den „Nematocera“ bzw. Mücken die Ordnung der „Diptera“ bzw. Zweiflügler bilden – ist überwiegend von Missachtung und Abscheu geprägt. Wenn wir davon ausgehen, dass unsere Kultur- und Kunstgeschichte ein Spiegelbild dafür ist, wie wir Menschen denken, fühlen und handeln, so lässt sich die schlechte Lobby der Fliegen hier sehr deutlich ablesen. Überall in unserer Kunst- und Kulturgeschichte gibt es Quellen und Hinweise darauf, was wir Menschen von den Fliegen halten und welchen Stellenwert sie für uns haben. Hier ein paar Beispiele:

Im antiken Griechenland gab es den Gott Myiagros, der die Aufgabe hatte Fliegen zu vertreiben. Interessanter Nebenaspekt: Erfolgreich schien er nicht gewesen zu sein, denn diese Aufgabe wurde schließlich dem Chef selbst, Zeus, übertragen. Ob dieser erfolgreicher war? Wer weiß. Bei meinem letzten Familienurlaub in Griechenland hat es jedenfalls nicht an Fliegen und Mücken gemangelt.

In der christlichen Kunst des Mittelalters und der Renaissance musste die Fliege als Sinnbild für Sterblichkeit, Sünde und Korruption herhalten. Das Wort Beelzebub übrigens soll das Auftreten des christlichen Teufels in Gestalt einer Fliege beschreiben. Gewissermaßen das manifestierte Böse und die Fliege in Personalunion.

Der Philosoph Arthur Schopenhauer schrieb (1851) in seinem Buch Parerga und Paralipomena: „Zum Symbol der Unverschämtheit und Dummdreistigkeit sollte man die Fliege nehmen. Denn während alle Thiere den Menschen über Alles scheuen und schon von ferne vor ihm fliehen, setzt sie sich ihm auf die Nase.“

Der Film Kurt Neumanns „The Fly“ aus den 50ern gefolgt von zwei Fortsetzungen und einem Remake von David Cronenberg 1986, sind bestimmt einigen ein Begriff. Die Fliege als Protagonistin im Science-Fiction-Horror-Genre. Wo sonst!

Damian Hirst nimmt in seinen umstrittenen Kunstinstallationen „A Hundred Years“ und „A Thousand Years“ den Tod der hauptdarstellenden Fliegen in Kauf.

Und so ließen sich noch viele solcher Beispiele nennen.

Mit meiner Kunst möchte ich genau hier ansetzen und gewissermaßen eine Gegenposition einnehmen. Bei mir ist die Fliege kein Sinnbild für etwas Schlechtes oder wird als abstraktes „Objekt“ benutzt. Meine Kunst soll die Fliege selbst in den Mittelpunkt stellen und sie als faszinierendes Mitlebewesen darstellen. Meine Kunst möchte die Fliege feiern!

“Indem ich Insekten eine künstlerische Bühne biete, nehmen wir sie in einem positiven Kontext wahr. So kann eine neue Wertschätzung entstehen.”

Ein großes Ihrer Themen ist der Insektenschutz. Inwiefern kann Kunst etwas dazu beitragen? Passen Naturschutz und Kunst überhaupt zusammen?

Die Beziehung von Kunst und Naturschutz liegt meiner Ansicht nach auf einer ganz speziellen Ebene, nämlich auf der Medialen. Lassen wir die hin und wieder aufkommenden Diskurse von Kunstbetrieb und ökologischem Fußabdruck mal beiseite, so besitzt die Kunst eine ganz besondere „Macht“. Sie kann etwas darstellen, dem:der Betrachter:in etwas vermitteln bzw. Fragen aufwerfen, ein Bewusstsein schaffen. Und das auch für Fragen des Naturschutzes. Ich bin der festen Überzeugung, dass alles was wir sehen eine Spur in uns hinterlässt und wenn es unterbewusst ist. Was wir sehen und womit wir uns umgeben wird auf uns wechselwirken und uns irgendwie prägen. Genau dies ist dann auch der Ansatz meiner Kunst und das, was meine Kunst zum Insektenschutz beitragen kann. Nur kurz mal nebenbei, gibt man „Insektenschutz“ in eine der großen Suchmaschinen ein, sind die ersten Seiten der Suche dominiert von Unternehmen und Produkten, die nicht den Schutz der Insekten zum Ziel haben, sondern ihre Vernichtung und Abwehr. Aber zurück. Meine Kunst soll unsere sechsbeinigen Freunde, und vor allem die „Underdogs“ unter ihnen, wie z.B. die Fliegen, in unser Bewusstsein bringen, ihnen eine künstlerische Bühne bieten. Nehmen wir sie dann in einem positiven Kontext wahr und sind wir uns ihnen bewusst, kann eine neue Wertschätzung entstehen. Fliegen sind nämlich faszinierende und für uns Menschen auch wichtige Mitlebewesen. Es gibt zahlreiche Studien, die nicht nur belegen, dass unsere Insektenwelt, und somit auch die Fliegen, durch menschliche Umweltzerstörung, Pestizide und Klimawandel bedroht sind, sondern auch entscheidende Highperformer im Bestäubungsbusiness sind. Somit sind Fliegen essenziell wichtig auch für die menschliche Nahrungsmittelversorgung. Sie gehören also wertgeschätzt und be- und geachtet. Wessen wir uns bewusst sind, werden wir achten und auch schützen. Das ist, was Kunst, was meine Kunst zum Insektenschutz beitragen kann.

Woher kommt Ihr persönliches Interesse am Thema Insekten und wann haben Sie beschlossen, sich diesem Thema künstlerlisch anzunehmen?

Um diese Frage zu beantworten muss ich tatsächlich in meine Kindheit und Jugend zurückgehen. Es gab zwei Menschen, die entscheidend dazu beigetragen haben, dass ich auf das Insekt gekommen bin.

Da ist zum einen mein geliebter und verehrter Großvater. Er war ein naturverbundener und wortkarger Ostpreuße, mit dem ich viel Zeit in seinem Selbstversorgergarten verbracht habe. Eines Tages, ich muss so 9 Jahre alt gewesen sein, half ich ihm beim Einsammeln von Kartoffelkäfern. Dann nahm er ein besonders großes Exemplar in seine Hand, zeigte es mir und sagte: “Junge, nur weil wir Menschen etwas zu einem Schädling machen, heißt das noch lange nicht, dass dieses Wesen keine Daseinsberechtigung hat.” Dies hat sich mir nachhaltig ins Gedächtnis gebrannt.

Zum anderen war da meine umtriebige Biologielehrerin im Bioleistungskurs im Gymnasium. Im wahrsten Sinne eine Naturgewalt, die mit uns, wann immer es möglich war, in die Natur gegangen ist. Pflanzen und Bäume bestimmen, Flechten kartieren und eben auch Insekten aufspüren und sie in das jeweilige ökologische Umfeld einordnen. Da entstand ein Erkenntnismoment nach dem anderen.

Dieses Interesse habe ich dann immer weiter verfolgt und im Laufe der Zeit mit Wissen aus Büchern und Vorträgen vertieft.

Neben der Natur bzw. den Insekten, begeisterten und begeistert mich bis heute die Kunst. Und so war es eine logische Konsequenz diese beiden Interessen miteinander zu verbinden. Die Inspiration dafür kam aus einer ganz bestimmten Richtung. Ich wage einmal zu behaupten, dass jede:r, die:der sich mit den Schnittmengen von Natur und Kunst auseinandersetzt, irgendwann bei Alexander von Humboldt landen muss. Sein damals revolutionärer Ansatz, dass „Fantasie und Vernunft“, also Kunst und Wissenschaft, im Zusammenwirken eine besondere Erkenntnis hervorbringen kann, hat mich und meine Intention bzw. Ansatz besonders geprägt. So wurden Insekten vor etwa 5 Jahren zu einem Hauptthema meines künstlerischen Schaffens.

“Meine Kunst ist in gewisser Weise eine kreative Evolution der Arten”

Sie schreiben Ihrer Website, dass “Transmutations” der Oberbegriff und Leitgedanke Ihrer Kunst sei. Können Sie uns erklären was es damit auf sich hat?

Auch dieser Begriff geht auf eine historische Person zurück. Ebenso wie ich im Kontext meiner Interessen und deren Schnittmengen auf Humboldt stieß, habe ich mich natürlich auch mit Charles Darwin beschäftigt. In seinem „Notebook B, Transmutation of species“, formuliert er erstmals den Gedanken, dass Arten möglicherweise eine Entwicklung durchlaufen. Dafür nutzte er eben diesen Begriff „Transmutation“. Der Begriff Evolution kam erst später auf.

Transmutation steht also im darwinschen Sinne für die Veränderung und Weiterentwicklung von Arten. Dies habe ich auf meinen künstlerischen Ansatz übertragen. Meine Kunst variiert und verändert Arten, nur eben in einem kreativen Kontext. Somit ist meine Kunst in gewisser Weise eine kreative Evolution der Arten und im Speziellen aktuell von Fliegen. Ich möchte sogar so weit gehen zu behaupten, dass sie eine echte Evolution bzw. Transmutation ist, denn die Menschheit bzw. der Homo Sapiens ist ja genau wie die Fliege Bestandteil der Welt und Natur und somit auch Facette einer evolutionären Kraft. Die Kunst / der:die Künstler:in als Evolutionswerkzeug. Oder etwas plakativer ausgedrückt: Die Evolution bzw. Transmutation der Fliege auf der menschlichen Leinwand. Und dies wirkt rück auf die menschliche Weiterentwicklung, denn aus meiner Kunst kann ein neues Bewusstsein, eine neue Erkenntnis (Fliegen sind faszinierend und schützenswert) entstehen. So würde auch der Mensch sich weiterentwickeln und ein kleines Stück transmutieren.

Welche Materialen und Farben verwenden Sie für Ihre Bilder?

Allgemein würde man bei mir sicherlich von Mixed Media sprechen. Ich verwende verschiedenste Materialien und Medien auch Schablonen. Bei genauerem Hinsehen lassen sich jedoch einige Konstante beobachten. Die Arbeit mit Ölfarben zum Beispiel, denn sie ist so vielseitig. Durch die Möglichkeiten an Vermischungen und Schichtüberlagerungen lassen sich faszinierende Effekte erzielen. Beispielsweise ist die teilweise Transparenz von Insektenflügeln mit Ölfarben sehr gut nachzuahmen. Auch wenn ich viel Übung und Versuche gebraucht habe, bis ich raus hatte, wie dünne Schichten, Flächenverläufe und Lichtreflexe zu gestalten sind, damit es funktioniert.

Eine weitere Konstante sind meine Trägermedien. Ich mache meine Kunst sehr gerne auf festem Untergrund, z.B. auf Holz- oder Aluplatten. In letzter Zeit kommt noch etwas Interessantes dazu. Blattgold. Die Farbe Gold beschäftigt mich schon eine Weile und nach einigen Versuchen mit Lacken habe ich mich an das echte „Zeug“ rangetraut. Auch hier ist Übung notwendig, wie ich schnell erfahren musste. Aber nach und nach wurde ich versierter und in meiner aktuellen Serie „Sancta Musca, die heilige Fliege“ kommt Blattgold als wichtiges Element neben Ölfarben und Lacken zum Einsatz.

Haben Sie schon Pläne für Ihre nächste Serie? Soll sie sich wieder um ein spezielles Insekt drehen?

Wie bei der vorherigen Frage angedeutet, entsteht aktuell eine Serie, die sich erneut um die Fliege dreht. Diese Serie heißt „Sancta Musca, die heilige Fliege“ und sie ist inspiriert von dem Kunsthistoriker Peter Geimer, der in einem seiner Bücher feststellt, dass Fliegen durchaus bemerkenswert regelmäßig in christlichen Heiligendarstellungen bzw. christlicher Kunst des Mittelalters und der Renaissance vorkommen aber selbst nie einen Heiligenschein abbekommen haben. Dies wäre wohl auch ein Sakrileg gewesen, so Geimer. Also wurde es Zeit für die erste heilige Fliege der Kunstgeschichte – das wage ich hier zu behaupten – auf welche eine Serie folgt, die aktuell entsteht.

Darüber hinaus habe ich bis jetzt keine konkreten Pläne aber natürlich Ideen. Der Kartoffelkäfer steht noch auf der Langzeitagenda und auch wenn sie keine Insekten sind aber Würmer würden mich auch mal reizen, nachdem ich vor einigen Jahren bereits mal einen Regenwurm gemalt habe. Wir werden sehen. Jetzt sind erstmal die Fliegen dran.

Wann und wo können wir Ihre Werke als nächstes bewundern?

Wer sich für die Fliegenkunst interessiert, findet immer die aktuellen Arbeiten auf meiner Homepage und hier kann natürlich auch mein Newsletter abonniert werden. Damit bleibst du immer auf dem Laufenden in der Fliegenwelt. Für den Sommer laufen gerade die ersten Planungen an für die nächste Ausstellung. Infos dazu folgen dann zur gegebenen Zeit auch über meine Homepage.

Ansonsten gibt es noch ein kleines Lieblingsprojekt von mir, welches quasi seit 3 Jahren konstant mitläuft. Die „GuerillaGalleryBerlin“. Dabei lass ich digitale Arbeiten von Fliegen auf Aluplatte drucken, bearbeite diese dann händisch z.B. mit wasserfesten Stiften nach und rahme sie. Diese klebe ich dann mit einem stabilen aber vollständig entfernbaren Spezialklebeband an öffentliche Orte im berliner Südwesten. Die Fliegenkunst als Streetart. Diese Bilder können betrachtet, bemerkt aber auch jederzeit mitgenommen werden, da sie sich wie geschrieben mit einem kleinen Rück abnehmen lassen. Und da sie auch nach gewisser Zeit verschwinden, möchte ich mir einbilden, dass das ein und andere den Weg in ein neues Zuhause gefunden hat. Also, Berliner Südwessis, Augen auf… Auch das soll die Fliege präsenter machen in unserem menschlichen Bewusstseinsfeld.

Miriam Loellmann hat in Rio de Janeiro einen Ort gefunden, an dem sie sich frei entfalten und entwickeln kann. Warum sie ihre Kunst in ihrem Wohnraum ausstellt und nicht über eine Galerie anbietet und wie sie die Betrachter ihrer Kunst in einen Zustand des Staunens und der Gegenwärtigkeit bringen will, erzählt sie im Interview.

Sie sind als junge deutsche Künstlerin Ende 2013 – sechs Monate nach Ihrem Kunststudium in Berlin – nach Rio gezogen, um dort von Null anzufangen mit der Vision sich voll und ganz der Kunst und Ihrer künstlerischen Gabe zu widmen. Haben Sie diesen Schritt je bereut und wie hat das Ihr Leben verändert?

Es gab keinen einzigen Tag hier in Rio, an dem ich meine Entscheidung, die ich damals sehr intuitiv und dennoch absolut entschlossen getroffen habe, bereute, obwohl ich durch sehr viele Schwierigkeiten und Herausforderungen gegangen bin. Ich sage immer, es war eine der besten Entscheidungen meines Lebens.

Was sich hier ganz klar verändert hat ist, dass ich, als ich in Rio ankam mir selbst begegnet bin und selbstverantwortlich für mich war, bzw. sein musste. Ich kannte kein Mensch und hatte anfangs niemanden, den ich fragen konnte und das hat mein Leben sehr verändert, weil mich das ganz anders auf meine Beine gestellt hat und ich schnell gelernt habe, noch stärker auf meine Intuition zu hören, denn sie war das einzige, was ich hatte und dem ich vertraute.

“Indem ich meinen Wohnraum als Schauraum für meine Kunst verwende, bekommen die Besucher einen sehr intimen und ehrlichen Einblick in mein Werk und was da dahinter steht und mit hinein fließt”

Seit vergangenem Jahr benutzen Sie Ihren Wohnraum als Schauraum Ihrer wunderschönen Kunstwerke, der für Kunstliebende auf Anfrage zugänglich ist. Wie sind Sie auf diese Idee gekommen und wie sind Ihre Erfahrungen damit?

Ich habe immer davon geträumt einen eigenen Raum zu haben, wo ich Dinge ausprobieren kann, Arbeiten hängen kann, experimentieren kann, mich entfalten und lernen kann, wo Menschen mein Werk entdecken und besichtigen können und schaute in Rio auch immer umher, wenn ich in den Straßen lief, ob ich irgendetwas interessantes sah, ein Schaufenster oder irgendetwas in der Art, aber irgendwie konnte ich nie etwas passendes finden und dazu kam die finanzielle Schwierigkeit so etwas in Rio zu finanzieren und auch der Gedanke, dass es in der Nacht nicht unbedingt sicher ist und ich dann Sicherheitskameras bräuchte usw.

Eines Tages saß ich hier in meinem Raum an dem großen Tisch, schaute mich um und plötzlich kam mir in den Sinn: ‘Eigentlich habe ich den perfekten Raum. Alles ist weiß, sehr gutes natürliches Licht, ich habe einige Wände, der Raum ist ruhig und sehr klar. Warum fang ich nicht einfach hier an und probiere aus, ob es mir überhaupt gefällt?’. So hing ich weitere Werke auf und drehte daraufhin meinen ersten Kurzfilm „firstTime”, der eine Auswahl an Arbeiten in diesem Raum zeigt, den ich dann an meine Kontakte, hauptsächlich in Europa, aber auch USA und Brasilien schickte. Das war sozusagen meine Eröffnung. Daraufhin kamen dann auch die ersten Besucher; ein in Italien und Rio lebendes Paar, dann ein früherer Kunde mit seinem Partner, der zwischen New York, Brüssel und Rio pendelt, ein anderer Kunstliebhaber kam aus Paris angereist und machte auf seiner Reise einen Stop bei mir, auch aus der französischen Schweiz, reiste eine Gruppe von Freuden hierher, die mich über ein grosses Wandbild-Relief, dass ich in meinem ersten Jahr hier in Rio für ein Hotel machte, entdeckten und mich für einen Besuch in meinem Schauraum kontaktierten.

2022 habe ich das einfach so ausprobiert und wusste überhaupt nicht, was mich da erwartet und am Ende des Jahres habe ich gestaunt, wie gut es geklappt hat, wie viele Menschen aus unterschiedlichen Orten hier waren, alle sehr inspiriert und beeindruckt. Wiederholt habe ich gehört, dass den Besuchern besonders gefallen hat, dass die Kunstwerke in einem Wohnraum hängen, indem man ein gutes Gefühl bekommt, wie die Werke in einer Wohnung wirken und wie es ist mit den Kunstwerken zu leben und das macht das ganze sehr lebendig. Auch beeindruckte sie es, einen Blick in mein Studio zu werfen, ein kleiner Raum nebenan, und das Umfeld zu spüren, indem ich lebe und arbeite. Dadurch bekommen die Besucher einen sehr intimen und ehrlichen Einblick in mein Werk und was da dahinter steht und mit hinein fließt.

Weshalb haben Sie sich gegen das “klassische Modell” entschieden, ihre Kunst über Galerien anzubieten? Hat das auch Nachteile für Sie?

Immer wenn ich an den Kunstmarkt und dessen Struktur dachte und dass ich mich da rein begeben muss, überkam mich ein dunkles Gefühl von Unmotivation und Schwere. Das irritierte und beschäftigte mich lange. Ich konnte mich da aus irgendeinen Grund einfach nicht klar sehen, eher so ein Gefühl von ‚ich muss das so machen, weil es so gemacht wird‘, beobachtete ich, das mich in der Tiefe jedoch nicht überzeugte.
Ich fragte mich auch immer wieder inwiefern eine Zusammenarbeit und vertragliche Bindung mit einer Galerie für die Entwicklung meiner Arbeiten wirklich gut und sinnvoll wäre, da es auch eine bewusste oder unbewusste Einmischung in meinen freien, unabhängigen Raum bedeuten würde. Das machte mir große Sorge, denn es gibt nichts Wichtigeres für mich, als mir meinen freien und eigenen Raum zu bewahren, indem mein Werk ungestört von fremden Einflüssen, in seinem ganz eigenen Rhythmus und Tempo entstehen kann. Genau das fordert es von mir.

Daneben nahm ich ein leises Stimmchen in mir wahr, dass mir immer wieder sagte, ‘hab doch den Mut einen ganz eigenen Weg zu gehen, den du selbst aus dir heraus erschaffst, den es so vielleicht noch gar nicht gibt’, und dabei spürte ich Aufregung, Motivation, Faszination und Neugier, zusammen mit viel Angst und Unsicherheit, von der ich mich immer wieder lähmen lies, bzw. lasse. Ich war lange hin und her gerissen, von Zweifeln und Fragen überschüttet, unfähig eine Entscheidung zu treffen, aber das Leben forderte eine klare Entscheidung von mir und ich entschied mich ein weiteres mal, trotz Angst und Unsicherheit, meinem inneren Ruf zu folgen, so wie damals nach Rio auszuwandern, und mich auf einen originellen, eigenständigen und direkteren Arbeitsstil zu konzentrieren, in dem ich die Verantwortung nicht an Andere abgebe. Das ist für mich derzeit die Form des Arbeitens, in der ich motiviert bin.

Hat es Nachteile in keiner Galerie vertreten zu sein? Das ist immer eine Frage der Betrachtung. Jeder Nachteil kann auch zu einen Vorteil werden. Ich lerne immer mehr mich bewusst auf das zu konzentrieren, was da ist, und damit baue und erschaffe ich etwas. Das haben mir meine Eltern schon in der Kindheit immer vorgelebt. An manchen Tagen denke ich, in einer Galerie könnte ich von dem schon vorhandenen Kundenstamm profitieren, dann staune ich wieder darüber, wie ich mir mein eigenes Klientel ganz langsam und bewusst aufbaue, indem ich immer kreativ bleibe, mir Neues und Originelles überlege, wie ich an Menschen komme, bzw. wie sie zu mir kommen können, und wie ihr Vertrauen in mich wachsen kann. Mit einer Galerie würde ich mir diese Fähigkeit wohl nicht so dringend aneignen. Eigenständig muss ich mich um vieles kümmern und mich auch mit ganz neuen, manchmal schwierigen Themen beschäftigen, sehr viel Geduld üben und Vertrauen aufbauen. Ich finde das unglaublich bereichernd, es erweitert den Horizont, bringt Frische und Bewusstsein mit hinein, zeigt mir auch ganz klar meine Schattenthemen, mit denen ich mich dann auseinandersetzen muss und all dies wirkt sich sehr positiv auf mein künstlerisches Schaffen aus, weil die innere Klarheit und Kraft stärker und feiner wird.

“In Rio habe ich einen sehr großen, distanzierten Raum ganz für mich, indem ich mich auf meine ganz eigene Art entdecken und entwickeln kann”

Sie schreiben auf Ihrer Website, dass Sie die Betrachter Ihrer Kunst in einen Zustand des Staunens und der Gegenwärtigkeit bringen wollen. Wie versuchen Sie das zu erreichen?

Wenn der Künstler beim Erschaffen absolut präsent und klar ist und sich nicht in den Gedanken verirrt, fließt diese Qualität auch in die Werke und das kann der Betrachter dann spüren, wenn es mit ihm in Resonanz geht. Wenn ich in meinem Studio bin, bin ich in einem Zustand des inneren Friedens, der Gegenwärtigkeit und einer sehr lebendigen, in meiner Tiefe pulsierenden Freude und immer wieder mit einem Staunen für das Wunder der Kunst, wie sie entsteht und wie einfach eine unendlich kreative Kraft durch mich und meine Hände fliesset, die dann formen und machen und plötzlich ist da ein Bild. Ich staune jedes mal von Neuem darüber und frage mich dann beim Betrachten ‚wer hat das gemacht? wie ist das entstanden?’ Das ist das Wunder der Kunst – jenseits der Worte; der Verstand kann es nicht erfassen.

Wenn ich beobachte, wie Menschen meine Arbeiten beobachten, sehe ich oft dieses Staunen in ihrem Ausdruck. Das freut mich immer sehr… wenn die Worte fehlen, dann ist die Gegenwärtigkeit da.

Inwiefern hilft Ihnen Ihr neues Zuhause in Rio die für Ihre Arbeit so wichtige Ruhe, Geduld und innere Achtsamkeit zu entwickeln?

Ich fühle mich in Rio sehr Zuhause und kann mich leicht orientieren, die Sprache und Klänge hier entspannen mich und lassen mich authentisch sein. Das kannte ich so noch aus keinem anderen Ort, in dem ich gelebt habe. Ich komme aus einer großen Künstlerfamilie und kam oft in Vergleiche und Unsicherheiten, die zu innerer Anspannung und Wut führten. Ich konnte mich nicht so frei entfalten, wie ich es hier kann, weil ich mich immer sehr beobachtet gefühlt habe und dadurch gehindert war, ich selbst zu sein. Hier in Rio ist das anders, hier habe ich einen sehr großen, distanzierten Raum ganz für mich, indem ich mich auf meine ganz eigene Art entdecken und entwickeln kann und fühle mich wohl und sicher darin. Das spiegelt sich für mich in meinem Schaffensprozess und in meinen Arbeiten wider.

Häufig kombinieren Sie in Ihren Bildern verschiedene Materialien. Beton, Kupfer, Leder, Metalle. Was begeistert sie daran?

Jedes Material hat eine andere Haptik, stahlt etwas anderes aus, regt etwas anderes an und hat seine ganz eigenen Eigenschaften und Qualitäten. Mich fasziniert besonders das Zusammenbringen unterschiedlicher Materialien, die dann miteinander klingen und wirken, das Kontraste bilden, Harmonien bilden und dadurch die Sinne anregen, besonders das Fühlen. Ich mag auch den handwerklichen Aspekt daran, weil jedes Material eine andere Art fordert, wie ich es behandle und in Form bringe. Beton und Gips giesse ich in die von mir gebauten Formen, oft experimentiere ich mit Pigmenten und poliere die festen Teile anschliessend von Hand. Bei den Metallen benutze ich meine selbst entwickelte Technik, sie zum Teil zu polieren oder zu brennen und andere Teile schleife ich von Hand, als zeichne ich darauf. Und so kommt mir immer wieder Neues in den Sinn, was ich mit den Materialien machen kann, wie ich sie kombiniere und bearbeite. Die Oberfläche der Bilder aus mehreren Materialien wird zu einem feinen Relief, was man vor allem von der Seite gut erkennen kann. Auf mich wirken diese Bilder sehr lebendig, wie stille Wesen mit viel Tiefe und Geheimnisvollem, das in ihnen ruht. Das tragen ja auch die verschiedenen Materialien in sich.

Was sind Ihre nächsten künstlerischen Projekte?

Gerade baue ich ein weiteres Archiv, um neue Arbeiten zu lagern. Sobald das fertig ist und wieder Platz in meinem kleinen Studio ist, widme ich mich neuen Bildern. Es gibt einige Bilder, die im letzten Jahr in mir entstanden sind und in mir reifen und jetzt in Form kommen möchten. Das Großformat liebe ich über alles, aber dieses Jahr möchte ich mich bewusst auf das kleine Format fokussieren und einlassen. Es bleibt spannend.

Manuel Mohr aus Leipzig malt sehr farbenfroh und energetisch. Im Interview erzählt er seinen Werdegang zu einem aufstrebenden, jungen Künstler und wie er sich einen Namen in der Kunstwelt machen will.

Ihre fantastischen Bilder zeigen bunte, fantasievolle Welten, teils abstrakt, teils mit erkennbaren Details. Über welche Reaktionen von Betrachtern ihrer Kunst freuen Sie sich besonders?

Meine Bilder sind so angelegt, dass jeder Betrachter auf seine eigene Weise mit ihnen in Resonanz gehen kann. Die Art des Dialogs liegt aber beim Betrachter selbst. Generell freue ich mich jedoch über jeden, der die Bilder so wie sie sind, also in ihrer Erscheinung auch aufnimmt und nicht unbedingt alles rational zu kategorisieren versucht. Erstaunen, anhaltendes Interesse oder spontane Begeisterung sind natürlich gern gesehen.

“Mein Kunststudium war größtenteils autodidaktisch und selbstverantwortlich”

Sie haben bis 2014 an der staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe studiert. Wie bewerten Sie Ihr Studium an der Kunstakademie im Rückblick?

Das Studium an der Kunstakademie Karlsruhe war nach dem Prinzip strukturiert, dass hochrangige Künstler als Professoren weitgehend selbst eine eigene Klasse zusammenstellten. Als Student konnte man in diesen Klassen sehr frei, in der Auseinandersetzung mit dem Professor und den Mitstudenten arbeiten. Das Studium war demnach alles andere als schulisch. In meinem Fall fanden die Besprechungen mit der Klasse und Franz Ackermann alle 3-4 Wochen statt. Hier bekam ich den nötigen Input, es wurde immer sehr gut erkannt, wo ich gerade künstlerisch stehe und welche Fragen meine Arbeit somit aufwarf. Ergänzend bot die Kunstakademie Vorlesungen zur Kunstgeschichte, Kunsttheorie und verschiedene feste technische Werkstätten an. Für mich besonders interessant waren die Werkstätten zur Maltechnik und zu verschiedenen Drucktechniken. Hier konnte man dann frei entscheiden, mit welcher Technik man sich beschäftigen möchte. Größtenteils war die künstlerische Arbeit jedoch autodidaktisch und selbstverantwortlich ausgelegt.

Insgesamt bewerte ich das Studium rückblickend sehr positiv. Es war eine interessante Zeit, die sowohl von Kollegialität als auch Konkurrenz geprägt war. Gelegentliche Exkursionen nach Paris, Istanbul oder Köln rundeten das Studium ab.

Von 2014 bis 2015 waren sie dann Meisterschüler von Franz Ackermann. Was bedeutet das konkret und wie hat Ihr Meisterschülerverhältnis zu Franz Ackermann Ihre künstlerische Entwicklung beeinflusst?

Konkret bedeutete das, noch ein weiteres Jahr den Status als Student aufrechtzuerhalten, von den Klassentreffen und Besprechungen weiter profitieren zu können und nochmal ganz frei an der Entwicklung der eigenen Kunst arbeiten zu können.

Die Frage nach der Nähe zur Kunst meines Professors beschäftigte mich in dieser Zeit besonders. Wichtig war mir, mich künstlerisch ausreichend von meinem Professor abzugrenzen. Was aufgrund meiner breiten Klaviatur an Farben und dem energetischen Bildaufbau nicht ganz leicht war.

Welche Strömungen und Künstler haben Sie abgesehen von Franz Ackermann in Ihrer Arbeit besonders beeinflusst?

Besonders beeinflusst haben mich der Impressionismus, der Kubismus, der Futurismus, der Surrealismus und die OP-Art. Ich kann allerdings fast jeder Strömung oder Kunstrichtung etwas positives abgewinnen.

Künstler die mich besonders interessiert haben wären unter anderen Hieronymus Bosch, Van Gogh, Franz Marc, Robert Delaunay, Max Ernst, Salvador Dalí, MC Escher, Roberto Matta, oder Niki de Saint Phalle.

Ist es schwer als junger Künstler von seiner Arbeit zu leben – und wie schafft man es sich einen Namen in der Kunstwelt zu machen?

Es ist sehr schwer! Die Professorin meiner Schwester, die auch Kunst studierte, begrüßte ihre Studenten mit dem Hinweis, dass lediglich ein Prozent von ihnen später von ihrer Kunst würden leben können. Nach meiner Beobachtung haut das so etwa hin. Jedenfalls ist es wichtig zu erkennen, dass Kunst und Künstler einerseits und der Kunstmarkt andererseits getrennte Welten darstellen. Als Künstler muss ich den Spagat schaffen, bei einem geneigten Publikum bekannt zu werden und trotzdem produktiv zu bleiben und mir in meiner Kunst treu zu bleiben und mich künstlerisch so zu äußern, wie es sich für mich authentisch anfühlt. Die Mittel und Wege, sich einen Namen zu machen ändern sich womöglich derzeit rasch, aber es ist immer hilfreich, Preise, Stipendien und Ausstellungen zu bekommen.

Natürlich versuche ich als Künstler in den sozialen Medien oder über eine SEO optimierte Homepage meine Reichweite zu erhöhen. Aber da ich der virtuellen Welt des Digitalen ja meine entschleunigte, analoge, handgemachte Malerei entgegensetze, ist die direkte Konfrontation mit den Bildern fast unumgänglich. Meiner Erfahrung nach sind echte Begegnungen mit Menschen auch viel mehr wert als Follower auf Instagram oder Facebook. Ich hatte auch das Glück, vor kurzem einen Galeristen kennen zu lernen, der mich bald ausstellen wird. Da es jedoch eine ausufernde Zahl an Künstlern gibt, die Berufsbezeichnung ist ja nicht geschützt, ist der Markt gesättigt und man muss sich in einen Verdrängungswettbewerb hineinbegeben. Hier spielen oft Glück, Beziehungen und Zufälle eine ebenso große Rolle wie die Qualität der gezeigten Werke.

Welche künstlerischen Techniken und Medien bevorzugen Sie in Ihrer Arbeit?

Ich male bevorzugt mit Acrylfarbe auf Leinwand. Ich bespanne meine Keilrahmen selbst und grundiere sie in einem aufwändigen Prozess in mehreren Schichten. Die Acrylfarbe kann fast alles, ist technisch sehr vielfältig und super unempfindlich und haltbar. Lösungs- und Malmittel sowie Pinselreiniger sind einfaches Wasser. Kein Terpentingestank. Sie trocknet schnell und ist vielfach übermalbar. Damit ist sie das ideale Medium für meine prozesshafte Arbeit. Allerdings benutze ich gelegentlich Spraydosen, da sie im Farbauftrag Effekte erreichen, die ich mit Pinseln so nicht hinbekomme.

Wann und wo können wir Ihre Werke als nächstes bewundern?

Auf meiner Homepage manuelmohrart.com lassen sich alle aktuellen Arbeiten besichtigen.

Eine Einzelausstellung ist in der Tanzzentrale Leipzig geplant, bisher noch ohne Termin. Eine weitere Einzelausstellung ist in der Redaktion des Stadtmagazins Ahoi Leipzig geplant bisher auch ohne Termin. Eine Ausstellungsbeteiligung zum Thema Landschaft ist in der CHARTER – Projektgalerie geplant, jedoch ebenfalls ohne Termin.

Petra Baral malt unverwechselbare Werke in vielen leuchtenden Farben. Für Sie ist dieser lebendige Stil eine Expression Ihrer Lebensfreude.

Mit fast 40 Jahren als freischaffende Künstlerin sind sie sicherlich viel „herumgekommen“ – was waren die wichtigsten Etappen auf ihrem künstlerischen Weg?

Ich denke einer meiner wichtigsten Etappen auf meinem künstlerischen Weg war, meine Aufnahme an der Freie Kunstschule Stuttgart. Diese hat mich zu dem künstlerischen Stil geführt, für den ich heute maßgeblich bekannt bin. Im Bewerbungsverfahren wollte ich damals zunächst den Schwerpunkt Malerei studieren, jedoch wurde ich für den Studiengang Grafik-Design ausgewählt. Damit wurde der Grundstein für meine künstlerische Arbeit gelegt.

Nach meinem Kunststudium habe ich für einige Jahre als freiberufliche Künstlerin/Illustratorin für den Frech-Verlag gearbeitet und in dieser Tätigkeit Entwürfe für den Hobbybereich hergestellt, dies war eine weitere Etappe, die für meine künstlerische Entwicklung sehr aufschlussreich war.

Weitere Etappen auf meiner künstlerischen Laufbahn nach dem Kunststudium waren, die Aufnahme in mehreren Kunstvereinen und Gruppen- und Einzelausstellungen sowohl in Deutschland als auch im Ausland.

“Ich könnte mich in schwarz-weiß nicht künstlerisch verwirklichen”

Bei so einer gestalterischen Vielfalt kann es für den Betrachter bestimmt eine Herausforderung sein, den Überblick zu behalten. Was sind ihrer Meinung nach Gemeinsamkeiten in all’ ihren Werken? Was möchten sie mit ihren Werken erreichen? 

Ob ich mit meinen Werken wirklich etwas erreichen will, weiß ich nicht. Kunst ist meine Leidenschaft. Mit meiner Kunst möchte ich die Welt ein wenig verschönern. Den Menschen, die meine Werke betrachten, die Philosophie des Seins vermitteln und Freude schenken.

Insbesondere fällt auf, dass die Mehrheit ihrer Werke farbenfroh und fast schon grafisch sind – welche Gründe hat das? Was mögen sie an diesem Stil besonders? 

Ich denke der Schwerpunkt meines Kunststudiums hatte in meiner künstlerischen Findungsphase einen großen Einfluss, denn in diesem Zeitraum habe ich meinen eigenen Stil gefunden und entwickelt. Das Verwenden vieler leuchtender Farben ist kurz gesagt ein Teil von mir.  Eine Expression meiner Lebensfreude. Ich könnte mich in schwarz-weiß nicht künstlerisch verwirklichen.

Ich habe mich über die Jahre auch mit anderen Materialien und Stilen auseinandergesetzt und experimentiert. So habe ich u. a. die Ölmalerei, Seidenmalerei und das Zeichen ausprobiert, aber auch Skulpturen aus Stein oder Ton sind Teil meiner Experimente gewesen. Schlussendlich kehre ich jedoch immer wieder zu meinem Stil zurück.

Wie kann man sich einen Tag in ihrem Atelier vorstellen – was bringt sie in Schaffenslaune? Wie sieht der Prozess eines Kunstwerks aus? 

Ich bin grundsätzlich in Schaffenslaune. Mein Prozess beginnt mit einem Funken Inspiration, der sich in Form von Gedichten, Aphorismen oder einfach einem Gedanken weiterentwickelt. Danach folgt die visuelle Umsetzung dieser Gedanken, direkt auf die Leinwand. Dieser Prozess kann manchmal bis zu vier bis sechs Wochen dauern, bis ein Gemälde fertig ist.

Einige ihrer Werke bedienen sich ja auch an Geschichten rund um Monarchien und Königsfamilien, ist das ein Thema, mit dem sie sich intensiver beschäftigen? 

Nein, ich habe kein persönliches Interesse für Königshäuser, auch wenn es zugegebenermaßen ein spannendes Thema ist. Zu den Königshäusern bin ich über die Mythologie gekommen. So, sehe ich parallelen in der Geschichte von Lady Diana und Camilla, und den Geschichten der römischen und griechischen Mythologie. Solche Vergleiche finden sich immer wieder. Bekannte Persönlichkeiten aus unserer Zeit, deren Namen, Leben oder auch deren Ende den Erzählungen aus griechischen/römischen Mythologie ähneln bzw. sie widerspiegeln. Diese Vergleiche sind jedoch zumeist in meinen Bildern nicht so leicht zu Endecken, aber dies ist auch nicht unbedingt notwendig, denn die Themen, die in meinen Kunstwerken behandelt werden, sind auch heute noch nicht Geschichte. Liebe, Neid, Hass, Wut und Gier sind altbekannt und weiterhin in unserer Gesellschaft vorzufinden.

Viele ihrer Arbeiten spielen außerdem mit Themen aus der griechischen Mythologie – wie haben sie die für sich entdeckt? Was inspiriert oder fasziniert sie besonders an diesen Themen? 

Die griechische Mythologie habe ich durch Zufall für mich entdeckt. Durch die oben bereits erwähnten Parallelen zu modernen Ereignissen und Persönlichkeiten, aber auch fiktiven Geschichten. Das ist auch, was mich so an der griechischen Mythologie fasziniert, die Übertragbarkeit der Geschichten in unsere moderne Welt. Auch in vielen Gegenständen, Pflanzen und Tieren, wie z. B. Hunde, Sonnenblumen, Schildkröten oder Muscheln, sind Verbindungen zur griechischen Mythologie zu finden. So, kommt Inspiration für neue Kunstwerke auch aus dem Alltag.

Neben ihrer vielschichtigen Kunst haben sie auch ein Kinderbuch verfasst und verlegt – wie lassen sich diese zwei Praktiken vereinen? Gibt es Parallelen, Unterschiede? 

Nach dem Kunststudium habe ich mich mit dem Schreiben beschäftigt und einige Kurzgeschichten geschrieben. Das Schreiben spielt in meinem künstlerischen Prozess insoweit eine Rolle, als das geschriebene Wort meist vor dem ersten Pinselstrich auf der Leinwand kommt. Für mich bildet das Festhalten meiner Gedanken in geschriebene Wort und die bildliche Darstellung eine Einheit. So gibt es zu einer Vielzahl meiner Kunstwerke auch kurze Gedichte oder Aphorismen, die die im Gemälde dargestellte Geschichte aufgreifen. Ein Kinderbuch zu schreiben und zu illustrieren, ist für mich nichts anderes.  Auch hier beginne ich mit einer Geschichte, die ich dann visuell darstelle.

Woran arbeiten sie gerade? Bei welchen Arbeiten blicken sie aufgeregt/gespannt in die Zukunft und wo gibt es aktuell etwas zu sehen? 

Aufgrund der aktuellen Lage befasse ich mich im Moment mit dem Thema Krieg und Umwelt. Ich bin in einem Alter, welchen ich als den Herbst bezeichnen würde. Da ist man nicht mehr aufgeregt oder gespannt, sondern entspannt. Meine Gedanken beschäftigen sich mit unserem Zeitalter, welches man das eiserne Zeitalter nennt und dem jetzigen Wendepunkt, der durch die Menschen eingeläutet wurde, wo sich der Mensch selbst zum neuen Schöpfer der Welt erkoren hat.

Meine Kunst gibt es im Moment nur online zu sehen und zu kaufen. Die neusten Werke teile ich immer gerne mit meinen Followern auf Instagram (@petraangelabaral).

Das Interview führte Max Ruebensal

Stephanie Hüllmann macht mit ihren faszinierenden Assemblagen den Wandel der Dinge sichtbar. Unscheinbare Materialien, die wir im Alltag meist übersehen, verwandelt sie in eindrucksvolle Kunstwerke.

In Ihrer Kunst verwenden Sie abgenutzte Gegenstände oder die „Abfallprodukte“ der Natur und fügen sie zu wunderschönen, aufwendigen Assemblagen zusammen. Ein großes künstlerisches Thema von Ihnen ist dabei der Wandel. Was fasziniert Sie am Wandel, an der ewigen Veränderung?

Nichts, wirklich gar nichts bleibt gleich. Alles verändert sich. Immer. Das ist nichts Neues, unter anderem ist dies auch einer der Grundsätze des Buddhismus. Was mich aber erstaunt, ist, wie wir Menschen es immer wieder schaffen, dieses immerwährende und überall gegenwärtige Prinzip zu verdrängen. Es ist selten, dass wir Wandel annehmen oder gar als selbstverständlich behandeln. So normal wie das Atmen sollte es doch eigentlich für uns sein. Aber häufig scheint fast das Gegenteil der Fall zu sein: Wir versuchen den Wandel zu ignorieren und zu verdrängen, wir versuchen das Jetzt anzuhalten, wir klammern an Vielem fest. Wenn man genau darüber nachdenkt, dann ist das so dermaßen absurd und unnatürlich, dass es einen geradezu faszinieren MUSS. Ich versuche mit meinen Arbeiten den Wandel sichtbar zu machen. Mein Mittel dafür ist, den Blick auf Details zu lenken. Der Wandel macht sich lange, bevor wir ihn wahrhaben wollen, in kleinsten Details sichtbar, die wir aber so gern übersehen. Dann, wenn der Prozess weit fortgeschritten ist und wir ihn nicht mehr übersehen können, erstaunt oder erschreckt er uns. Zumeist nähe ich die einzelnen Teile auf, oft auch hundert- oder tausendfach, denn nur so wird der Faktor Zeit sichtbar, der mit dem Thema Wandel einher geht.

Sie bezeichnen sich selbst als Sucherin und Sammlerin und wollen in Ihrer Kunst “Normales und Übersehenes in den Mittelpunkt” stellen. Was haben Sie in letzter Zeit gefunden, dass Sie besonders fasziniert hat?

Mich haben in diesem Jahr 2021 vor allem die Blütenkapseln der Kletterhortensie fasziniert. Diese winzig kleinen Kapseln schützen die empfindlichen Knospen und werden von der Pflanze abgestoßen, direkt bevor sie ihre Blüten entblättert. Dann liegen diese winzig kleinen, empfindlichen Kapseln zu zig-tausenden auf dem Boden. Das an sich ist noch nicht das Besondere. Besonders für mich war der Umstand, dass ich selbst solch eine Pflanze in meinem Garten habe. Ich sitze das ganze Jahr über morgens draußen, plane meinen Tag, denke nach, all das direkt vor dieser Pflanze. Aber erst in diesem Jahr nehme ich diese Kapseln bewusst wahr, die in dieser so großen Zahl zu meinen Füßen liegen! Wie kann das sein!? Immer wenn ich meine Arbeiten mit diesen Blütenkapseln sehe, dann frage ich mich, was ich sonst noch so alles übersehe, was doch eigentlich gar nicht übersehen werden kann.

Hatten Sie schon immer diese Liebe für Details und kleine Dinge, oder wie lernt man das Übersehene zu sehen und seinen Wert zu erfahren?

Ich glaube, dass eine gewisse Veranlagung schon immer da gewesen ist. Ich habe Erinnerungen an meine Kindheit, in denen ich mich endlos lange mit Blüten, Zapfen und Steinen beschäftigt habe und mit deren Formen und Farben. Aber später waren dann für lange Zeit andere Dinge wichtiger. Für mich wurde dieses Interesse wieder geweckt, als ich über längere Zeit in Ländern war, in denen Vieles sehr anders war als ich es kannte. So wurde mein Blick fast zwangsläufig auf das für mich Neue gezogen und ich glaube, das ist ein ganz normaler Prozess. Wieder zurück in Deutschland, fing ich dann an zu vergleichen und im Altbekannten viel Neues zu entdecken. Ich glaube, eine gewisse Veranlagung zu Neugierde hat hier aber auch seinen Teil dazu beigetragen und mit der Zeit wurde es immer „schlimmer“. Ich glaube zum Beispiel, dass Spaziergänge mit mir zusammen keine Freude sind, denn ich muss ständig stehenbleiben…
Ich bin außerdem zutiefst davon überzeugt, dass die Umwelt-Misere, in der wir uns befinden, daher stammt, dass wir so Vieles übersehen. Man kann nur das wertschätzen, was man überhaupt kennt. Und nur das, was man schätzt oder liebt, ist es einem auch Wert, zu schützen. Eine Gesellschaft, die Automarken besser kennt als ihre Pflanzen oder Insekten, legt logischerweise nicht so viel Wert auf letzteres.

“Ich habe in Japan das wirkliche Sehen gelernt”

Viele Ihrer Werke sind kreisförmig angeordnet. Welche Bedeutung hat der Kreis für Sie?

Der Kreis ist so wunderbar, finde ich. Er steht für das Immerwährende. Kein Anfang, kein Ende. In so vielen Kulturen spielt er eine wichtige Rolle. Mandalas. Schmuck. Und ich finde ihn schlichtweg einfach schön. Es macht mir Spaß, mit ihm zu spielen, ihn zu gestalten und mich auf die Wirkung zu freuen. Er hat etwas Archaisches und spricht uns auf tieferer Ebene an, nicht nur den Intellekt. Und nicht zuletzt steht er für die Keimzelle, ist Symbol allen Lebens. Ich platziere ihn allerdings gern häufig nicht mittig auf der Leinwand oder dem Papier, sondern etwas aus der Mitte verrückt. Zu viel ist heute ver-rückt…

Sie haben in Ihrem Leben schon viele Länder bereist und an verschiedensten Orten der Welt gelebt. Welche Orte haben Sie dabei am meisten inspiriert?

Sicherlich ist es Japan, das mich tief beeinflusst hat. Japan ist für uns Europäer:innen so dermaßen anders, dass ich es mir erarbeiten musste. Und meist ist es doch so, dass die Dinge, in die man sich hineinkniet, einem sehr nah ans Herz wachsen. Ich habe so Vieles nicht verstanden in Japan. Über die Versuche, das Fremde zu verstehen, habe ich dann auch meine eigene Kultur reflektieren müssen und vieles ist mir bewusst geworden. Das hat mich auf verschiedenen Ebenen inspiriert. Außerdem hat Japan mir die Wasser-Welt ganz nah gebracht. Als Inselstaat ist in Japan das Meer nie weit weg und ich habe es ganz neu und ganz nah erlebt. Ich gehe soweit, dass ich in Japan letztendlich das wirkliche Sehen gelernt habe.

Inzwischen leben Sie vor der Toren Hamburgs. Inwiefern hat Ihr neues Zuhause Ihre Kunst beeinflusst? Hilft ihnen eine ländliche Umgebung beim fokussierten Arbeiten, oder fehlen die tausend Inspirationen einer schillernden Metropole wie Tokyo, in der Sie früher gelebt haben?

Ah, diese Frage ist schwierig zu beantworten! Ganz ehrlich – ich weiß es selbst nicht. An manchen Tagen bin ich sehr froh, dass ich die Natur so nah habe. Sie gibt mir täglich Inspiration und stärkt mich. Schon allein weil es hier Seen gibt und mir das Schwimmen so wichtig ist. Im Moment entdecke ich gerade das Winterschwimmen, ein echtes Abenteuer, das es so nur in der freien Natur geben kann. Aber dann, an anderen Tagen vermisse ich die Reibungen, die große Städte mit sich bringen. Und den schnelleren Austausch mit oder spontane Anregungen von Menschen. Zum Glück ist Hamburg nah und auch Berlin ist nicht so weit weg. So oft, wenn ich dort bin, überlege ich, ob ich falsch entschieden habe, aufs Land zu ziehen. Wenn ich dann aber wieder nach Hause kommen, dann fühle ich, dass es doch das Richtige war. Aber es gibt noch einen Punkt für die ländliche Umgebung: Ich liebe es, Platz zu haben. Zum Leben, Wohnen, Arbeiten. Und dieser Platz ist auf dem Land nun mal einfacher zu haben als in der Stadt.

Wann und wo können wir Ihre Werke als nächstes bewundern?

Im August 2022 darf ich in einer wunderschönen und sehr besonderen Location Arbeiten zeigen: in den Beelitz Heilstätten, dieser sehr berühmte „Lost Place“ in der Nähe von Berlin. Daran schließen sich zwei Solo-Ausstellungen an: in der Villa Blunk in Wriezen, auch bei Berlin, und in Hooksiel im hohen Norden. Und ansonsten gerne auch nach Vereinbarung bei mir, in meinem privaten Showroom.
Vielen Dank für das Interview, vielen Dank für diese tollen Fragen!

Max Ruebensal ist ein aufstrebender Vollzeit-Künstler, dessen farbenfrohe Werke häufig mit verschiedenen Fließtechniken “Pouring” entstehen. Oft stellen diese aber nur die Basis und werden zu herausragenden Werken weiterverarbeitet, die den Betrachter erstaunen und herausfordern.

In Ihren kontrastreichen, farbenfrohen Werken bedienen Sie sich häufig der Fließtechnik “Pouring”, bei der die Farben nicht mit Pinsel oder Spachtel aufgetragen, sondern auf die Leinwand geschüttet werden. Was fasziniert Sie an dieser Art Bilder zu erschaffen?

Das ist tatsächlich eine der häufigsten Fragen, die ich bekomme, und doch überrascht die Antwort die Meisten. Denn was viele nicht wissen: Ich komme ursprünglich aus der kontemporären Skulpturen- und Installationskunst. Konkret hat das für mich als Künstler bedeutet, dass ich im Schaffensprozess die Kontrolle über alles hatte, und das Kunstwerk eigentlich im Kopf bereits fertig war, bevor ich mit den Händen überhaupt an die Arbeit ging. Irgendwann bin ich jedoch an einem Punkt angelangt, an dem ich das Gefühl hatte, in dieser künstlerischen Disziplin nicht mehr ‚weiter zu kommen‘. Etwas Neues musste her, und ich wollte auch meine Komfortzone verlassen. Bei der Fließtechnik muss man viel Kontrolle aufgeben, und aus dem Zufall entstehen viele neue, ebenfalls faszinierende Dinge. Natürlich war das am Anfang ein Gewöhnungsprozess, der etwas gedauert hat. Über die Zeit fanden aber auch einige konzeptuelle Aspekte wieder in meine Kunst zurück, und heute kombiniere ich oft das Beste aus beiden Welten. So habe ich z.B. für meine ‚Rate Of Loss‘-Serie Effekte entwickelt, die aus einer Reaktion von wasserbasierten Acrylfarben mit ölbasierten Sprühfarben entsteht. Die Technik & Materialien unterstützen dabei als ‚Bild-im-Bild‘ den thematischen Grundkern der Serie, die sich mit verschiedensten, vom Mensch herbeigeführten Naturkatastrophen, wie z.B. Ölkrisen beschäftigt.

Die Fließtechniken dienen Ihnen oft nur als Basis und die so entstandenen Bilder verarbeiten Sie im Anschluss weiter. Zum Beispiel in Ihrem großartigen Werk “My Shore” aus dem Jahr 2018, dass das Profil einer Frau zeigt, deren Haut aus ineinander fließenden Farben besteht. Wie wichtig sind solche neue Ideen, um in der Kunstszene wahrgenommen zu werden?

Ich denke der Fokus liegt bei vielen bekannten Kunstwerken (vermutlich zu Recht) teilweise auch auf der ‚Innovation‘. Oft sind Künstler & Künstlerinnen deshalb bekannt, weil sie als Erstes Dinge anders gemacht haben, mit Konventionen gebrochen haben und versucht haben, mehr aus den gegebenen Techniken und Materialien zu machen. Und zu einem gewissen Teil ist mir das natürlich auch wichtig. Es ist nichts falsch daran eine Technik zu nutzen, die seit den 70ern bekannt und vor allem in den letzten Jahren einen regelrechten ‚Hype‘ erfahren hat. Wichtig für mich als Künstler ist es jedoch, in dieser Sphäre mein ‚eigenes Ding‘ zu finden und so etwas zur Weiterentwicklung beizutragen. Immerhin geht es ja schließlich darum, was ich individuell mit meiner Kunst zu sagen habe und wie ich diese Materialien dazu einsetze, um meine persönlichen Gedanken, Ideen und Empfindungen auszudrücken.

Auf Ihrer Website werden Sie als “kreativer Rebell” und “Andersdenker” beschrieben. Sie leben inzwischen in Berlin, stammen aber aus einem kleinen Dorf in Oberfranken. Wie schwer war es in Ihrer Jugend als jemand, der “anders denkt”?

Klar, eine ‚richtige Kunstszene‘ hat es im Umkreis von hunderten Kilometern nicht gegeben. Das hat mir in meinen Anfangsjahren natürlich Schwierigkeiten bereitet, da ich nirgendwo so richtig „anschließen“ konnte. Das Positive daran ist, dass ich so schon früh das Internet als meinen primären Ort der Vernetzung entdeckt habe – eine Entwicklung, von der ich gerade in Zeiten wie diesen profitiere. Heute ist es viel einfacher, Gleichgesinnte zu finden und die eigenen Ideen einem Publikum zu präsentieren, das dir auch etwas zurück gibt. Über die Jahre hat es mich zunächst nach Passau verschlagen, wo eine kleine aber intensive Kunstszene vorhanden ist. Diese hat mich dann auf den Geschmack gebracht, und irgendwann war es dann Zeit für etwas Größeres, und so kam es zu meinem Umzug nach Berlin.

“Seit meiner Weltreise denke ich größer”

Sie sind nach Ihrem Abitur lange durch die Welt gereist – unter anderem in die USA, nach Neuseeland und Kanada – und haben sogar eine Zeit lang in Shanghai gelebt und mit dem Street-Art Künstler Vhils und der Künstler-Kollaboration FAILE aus New York zusammengearbeitet. Inwiefern haben diese Reisen Sie in Ihrer künstlerischen Entwicklung geprägt?

Rückblickend waren sie definitiv einer der Hauptantriebe für meine persönliche und damit auch künstlerische Entwicklung. Sie standen fast immer am Anfang eines neuen Kapitels, das mich einen Schritt weiter zu meiner jetzigen Situation gebracht hat. Durch meine Kindheit auf dem Dorf stand ich natürlich viel unter dem Einfluss von Menschen, für die Kunst nichts mehr als ein „brotloses Hobby“ war, und je öfter man das hörte, desto mehr hat man das selber geglaubt. Als ich mit der Schule fertig war, war Kunst für mich eigentlich keine Option gewesen. Die Weltreise hat mich die Welt und viele Dinge aus neuen Perspektiven sehen lassen und in mir so langsam den Gedanken bestärkt, dass ich nichts anderes machen KANN und auch nichts anderes machen WILL. Von da an stand mein Traum eigentlich fest und ich arbeite stets auf dieses Ziel hin. Die Zusammenarbeit in der Shanghaier Galerie mit den renommierten Künstler hat dann zusätzlich bewirkt, dass ich einfach „größer“ gedacht habe. Nicht nur in Werken, sondern im „großen Bild“, und was ich auch künstlerisch noch alles erreichen möchte.

Sie sind inzwischen 26 Jahre alt und arbeiten als Vollzeit-Künstler. Hat es lange gedauert, bis Sie diesen Schritt gewagt haben?

Natürlich ist das ein gewagter Schritt, sich den Auswirkungen eines so fragilen Marktes vollends auszusetzen. Ich war immer gut in der Schule und mir standen auch auf dem Weg einer klassischen Karriere viele Wege offen. Vermutlich auch deswegen hat in mir selbst der Gedanke wohl einige Jahre gelebt und es hat etwas gedauert, bis ich mir selber eingestehen musste, dass ich mit meinem Leben schlichtweg nichts anderes machen will. Gemessen daran war das ‚nach außen treten‘ an Familie & Co. vermutlich ein kleinerer Schritt. Natürlich ist auch dann am Anfang nicht alles gut gelaufen. Aber schlussendlich half mir, wie schon gesagt, dass ich begriffen hatte, dass ich „keine andere Wahl hatte“. Heute kann ich rückblickend nur sagen, dass sich der Mut definitiv ausgezahlt hat.

“Was will ich sein, wenn ich alles sein kann?”

Sie beschreiben sich selbst als getrieben vom Verlangen nach intellektuellen Sensationen und neuen Ideen. Haben Sie schon ein neues künstlerisches Projekt, über das Sie berichten können?

Derzeit beschäftige ich mich viel mit dem Thema Identität. In all’ meiner Kunst, ob Skulpturen, Installationen oder Gemälden habe ich immer wieder mit Motiven von starkem Symbolcharakter gearbeitet, wie z.B. Totenköpfen, Schmetterlingen oder Augen. Und irgendwann hatte ich mich dann gefragt, warum das so ist – bis mir irgendwann dämmerte, dass mich diese Symbole so stark anziehen, weil „sie für etwas stehen“. Früher wurden Berufe über Generationen weitergegeben, und die eigene Laufbahn und das individuelle Leben war in vielen Aspekten bereits vorbestimmt. In der heutigen, pluralistischen Gesellschaft kann man (zumindest theoretisch) sein, was immer man will. Das stellt besonders die jungen Generationen vor neue Herausforderungen: Wenn ich alles sein kann, WAS will ich dann sein? Wer bin ich, und was macht mich aus?

Zurzeit haben wegen der anhaltenden Pandemie viele Galerien und Museen geschlossen. Können Sie uns trotzdem schon sagen, wann und wo wir Ihre großartigen Werke wieder live bewundern können?

Derzeit ist eine virtuelle Ausstellung zur oben genannten Thematik in Planung, und einige Werke habe ich auch schon in meinem Newsletter veröffentlicht. Wer mehr dazu wissen will, kann sich gerne unter https://maxruebensal.com/de/newsletter-anmelden/ anmelden um es gleich zu erfahren, wenn es soweit ist!

Jakob Schwedtfeger setzt sich in seinem Youtube-Format “Was macht die Kunst?” humorvoll, selbstironisch und bissig mit der Kunstwelt auseinander.

Lieber Jakob Schwerdtfeger, Sie haben sich als Komiker ein eigenes Genre geschaffen: Die Kunstcomedy! Können Sie uns erklären, was das ist?

Ich versuche dem Publikum Kunst auf unterhaltsame Weise näher zu bringen. Ich mache Entertainment mit Inhalt. Das können Anekdoten aus künstlerischen Biografien sein oder Geschichten, die mir selbst im Museum passiert sind. Ich habe zum Beispiel mal vor einem abstrakten Bild gestanden und dachte: “Boah, da hat der Künstler Abstraktion echt weiter entwickelt – allein die Komposition und der Farbauftrag. Da gehört richtig Mut und Können dazu.” Und dann stellte sich raus – das Bild war von einem Staubsaugroboter gemalt worden.
Außerdem ist die Kunstwelt ja voll von schillernden Charakteren, über die man sich super lustig machen kann. Am Ende möchte die Leute auf der Bühne zum Lachen bringen und damit für Kunst begeistern.

Bildende Kunst ist auf den ersten Blick selten “komisch”. Warum passt das trotzdem zusammen: “Bildende Kunst” und “Comedy”?

Leider nimmt sich die Kunstwelt oft etwas zu ernst. Da wird dann möglichst schlau daher geredet und dadurch entsteht der Eindruck Kunst sei so eine ernste Sache. Dabei finde ich, dass man alles mit Humor nehmen kann – auch Kunst. Gerade die Menschen auf Ausstellungseröffnungen mit ihren komischen Outfits sind doch eine Steilvorlage. Ich mache mich auch gerne über mich selbst lustig, denn auch ich habe viele affige Tendenzen in mir.
Und es gibt ja auch Kunstwerke, die wirklich witzig sind. Oder ich überlege mir dann eben einen witzigen Zugang zu einem Bild oder kunsthistorischen Thema. Ich finde im Museum wird viel zu wenig gelacht. Und das möchte ich ändern.

“Kunst kann wahnsinnig spannend und lustig sein”

Können Sie mit der “Kunstcomedy” auch Menschen für Kunst begeistern, die sich sonst eher weniger dafür interessieren? Wie gehen Sie dabei vor?

Ich glaube, viele Menschen finden Kunst langweilig und elitär, weil sie ihnen so vermittelt wurde – in der Schule, im Museum oder sonst wo. Und ich bemühe mich ihnen zu zeigen: “Nein, Kunst kann wahnsinnig spannend und lustig sein.” Da geht es um den Blickwinkel und Zugang. Ich versuche die Leute abzuholen, wo sie stehen. Das heißt, ich verknüpfe Kunst viel mit Beispielen aus dem Alltag und finde Vergleiche, zu denen die Menschen einen Bezug haben. Und ich hype Kunst nicht unnötig hoch. Zum Beispiel beschreibe ich die Enttäuschung, als ich die Mona Lisa im Original gesehen hab und dachte: “Wow, ist die klein.” Geht, glaube ich, vielen so.
Ich erzähle auch gerne von meinen Aprilscherzen, die ich in meiner Zeit als Museumsmitarbeiter gemacht hab. Das Museum ist ein großartiger Ort für den ersten April! Insgesamt richte ich mich mit meiner Comedy schon an Laien oder Menschen, die sich ein bisschen für Kunst interessieren. Und dann versuche ich Wissen mit Witzen zu transportieren.

Auf Ihrem YouTube Format “Was macht die Kunst” beschäftigen Sie sich auf humorvolle Art und Weise mit berühmten Meisterwerken der Kunstgeschichte und abwegigen Fun-Facts zu ihrer Entstehung. Welcher dieser “Fun-Facts” hat sie zuletzt zum Lachen gebracht?

Ich habe gerade ein Video über Kunstdiebe gemacht und da war ein Fall, den ich besonders lustig fand. Da haben die Diebe in einer italienischen Galerie ein Gemälde von Gustav Klimt geklaut – und zwar auf eine völlig verrückte Art. Die haben das Bild über eine Dachluke mit einer Angel hochgeangelt. Mit einer Angel!! Das muss man sich mal vorstellen. Wer kommt kommt auf so eine bescheuerte Idee? Und wie trainiert man für so was?

Nach Ihrem Studium der Kunstgeschichte arbeiteten Sie mehrere Jahre lang im renommierten Städel Museum in Frankfurt am Main. Welches der Bilder dort hat sie am meisten begeistert, und warum?

Es gibt schon echt viele gute Bilder im Städel. Aber eines meiner Lieblingswerke ist ein Bild von Yves Klein. Da sind ein paar Schwämme drauf angebracht und das ganze Bild ist komplett in das für ihn typische intensive Blau getaucht. Ich bin hunderte Male daran vorbeigegangen, aber ich kann mich daran nicht satt sehen. Dabei ist das einfach nur ein blaues Bild. Diese Faszination für dieses Blau beobachte ich bei sehr vielen Menschen. Irgendwie berührt einen das.

Gerade herrscht in Deutschland immer noch Corona und die Bühnen sind geschlossen. Was sind Ihre Pläne für dieses schwierige Jahr 2021? Arbeiten Sie schon an einem neuen Programm?

Nein, an einem neuen Programm arbeite ich nicht. Mein erstes Programm ist ja gerade fertig und ich konnte es erst zwei Mal aufführen. Ich scharre schon richtig mit den Hufen. Daran habe ich anderthalb Jahre gearbeitet und ich möchte damit endlich ausführlich auf Tour gehen. Leider werde ich mich damit noch gedulden müssen.
Ansonsten plane ich weiterhin viele Videos für Youtube zu machen. Das Format “Was macht die Kunst?” macht mir sehr viel Spaß und ich kann da viel thematisch ausprobieren. Ich möchte den Kanal so etablieren, dass er eine Anlaufstelle für diejenigen wird, die sich auf lockere und unterhaltsame Weise über Kunst informieren möchten.

Diana Achtzig ist seit vielen Jahren als Künstlerin und Galeristin aktiv und kennt den Kunstmarkt wie kaum eine andere. Im Interview erzählt sie, vor welche Herausforderungen die digitale Welt die Kunst stellt und welche virtuellen Konzepte zukünftig immer relevanter werden könnten.

Sie sind Künstlerin und zugleich Galeristin in ihrer eigenen “Achtzig Galerie” in Berlin am Prenzlauer Berg. Wie kam es dazu, dass Sie Ihre eigene Galeristin wurden?

Meine erste Galeriegründung war in Amsterdam im Jahr 1990 und keiner der 12 Künstlerinnen und Künstlern wollte sich mit der Betriebswirtschaft, Personalkosten, Steuern, Kunstmarketing, Pressearbeit mit Journalisten, Verkaufspsychologie, täglichen Mails, neuen Künstlern oder Kunstsammlern herumschlagen. Die Künstler zeigten alle plötzlich auf mich, somit begann ich mit meinem Beruf einer Kunstgaleristin. Erst später erfolgte im Jahr 2009 der Umzug nach Berlin mit der Gründung der Achtzig-Galerie für zeitgenössische Kunst in Berlin Mitte. Dort schlug die Gentrifizierung zu und ich musste in 3 Monaten neue Galerieräume finden. Dann erst konnte ich diese schöne Galerie im Prenzlauer Berg anmieten. Das ich meine eigene Galeristin bin, hatte ich noch nicht so betrachtet. Da ich anderen Künstlern dabei helfe tolle Kunstausstellung mit der wichtigen Öffentlichkeitsarbeit zu erhalten. Somit lagen meine Schwerpunkte schon immer auf einem Kunstmarketing für andere Künstlerinnen und Künstler, die in meinen Galerien ausstellten. Als Geschäftsführerin von mehreren Kunstgalerien und einer Kunstakademie musste ich immer sehr harte Entscheidungen im Kunstmarkt treffen, damit rückte die Persönlichkeitsentwicklung in meinen Fokus der Kunstreflektion und die damit steile Lernkurve.

“Ich konnte digitale und virtuelle Galerie-Ausstellungen mit Gewinnen verzeichnen”

Corona hat die gesamte Kulturbranche in Deutschland hart getroffen. Was ist Ihre Einschätzung: Wie steht es derzeit um die Galeristinnen und die bildenden Künstler? Werden noch Bilder verkauft – trotz Lockdown und Kontaktbeschränkungen?

Aus betriebswirtschaftlichen Gründen werden viele Kunstgalerien und Kunstschaffende verschwinden, da die Wirtschaft und der Kunstmarkt ganz empfindliche Strukturen darstellen. Es wird jedoch neue digitale und virtuelle Möglichkeiten für Kunstausstellungen geben! Ja, es werden noch Kunstwerke verkauft, jedoch nicht mehr in der hohen erforderlichen Stückzahl, wie das für eine gut laufende Galerie nötig ist. Das lernt man im BWL Studium in den Grundlagenkursen.
Für Künstlerinnen und Künstler gibt es jedoch die Möglichkeit digitale Gruppenausstellungen in der Berlin Produzentengalerie zu erhalten. Hier können sich studierte Künstler und Quereinsteiger bewerben.

Seit der Corona-Pandemie haben Sie mit Ihrer Galerie vier Online-Ausstellungen organisiert. Wie beurteilen Sie diese Vernissagen in der Retrospektive? Folgen Ihnen Ihre Kunden in eine digitale Galerie?

Ja, ich konnte digitale und virtuelle Galerie-Ausstellungen mit Gewinnen verzeichnen. Ab 1990 habe ich mir ein reales Netzwerk an echten analogen Kontakten mit Kunstsammlern und Käufern aufbauen können, dass hatte mich gerettet. Nur über suchmaschinenoptimierte Webseite (SEO) zu verkaufen gestaltet sich als etwas schwerer. Der Ausbau der persönlichen Weiterentwicklung, also der eigenen digitalen Fähigkeiten ist in diesem Moment sehr gefragt. Der Trend geht, für mich persönlich ganz stark in die digitale Verkaufsrichtung von Kunstwerken. Da werden virtuelle Konzepte möglich werden in der Virtuellen Realität (VR) und Erweiterten Realität (AR) sowie Künstliche Intelligenz (KI) von den wir heute noch träumen. Beispielsweise Cyber basierte Ausstellungs- und Präsentationskonzepte für den Kunstverkauf auf Webseiten. Das ist mein konkretes Forschungsprojekt für die kommenden Jahre. Leider könnte damit auch das Ende des Einzelhandels erreicht sein, ein Manager der Telekom hatte das bereits vor ca. 10 Jahren warnend im Nebensatz in einem Interview einer Tageszeitung erwähnt.

“Ich gebe Künstlern eine digitale Perspektive”

Glauben Sie Corona wird den Kunstmarkt nachhaltig verändern? Wird er sich in Zukunft noch stärker digitalisieren und welche Anstrengungen unternehmen Sie dafür als Galeristin?

Ja, die Corona-Krise zeigt uns alle exakten analogen Schwächen in unseren Kunstgalerien und weiteren Kunst-Firmen auf. Vom BWL, über die Paket-Versendung bis hin zur neuen digitalen Public Relations Arbeit im Kunstmarketing sehe ich heute bessere digitale Möglichkeiten der Verbesserung. Für den Einzelhandel und Kunstmarkt würde nun eine erhebliche digitale Veränderung anstehen, der extreme Digitalschub. Um Innovationsfähigkeit in Kunstgalerien zu entfesseln könnte eine Design Thinking Methode angewendet werden, um das Unternehmen neu digital auszurichten. Ich forsche bereits seit 1999 über neue digitale Präsentationsformate und deren preiswerter Umsetzung für Kunstgalerien.

Sie haben selbst an der Universität der Künste in Berlin studiert. Denken Sie es ist wichtig, dass angehende Künstlerinnen und Künstlern auch etwas über den Kunstmarkt lernen, und wird das genug getan?

Nein, das digitale Kunstmarketing, SEO basierte Webseitenerstellung, Betriebswirtschaft, Pressearbeit mit Journalisten und Personalführung oder Psychologie für den Kunstverkauf sind nicht der Gegenstand der heutigen Universitäts- und Hochschullehreehre. Es werden nicht mal digitale Lehrinhalte im Kunstbereich beachtet VR und AR oder KI. An meiner Achtzig-Kunstakademie-Berlin lehre ich diese neuen Lehrinhalte selbst, weil ohne das Wissen aus der Wirtschaft Künstlerinnen und Künstler keine digitale Perspektive hätten.

Zu Ihren persönlichen Lehrern gehörten unter anderem Alex Bär von der „Neuen Leipziger Schule“ oder Professor Arno Ring. Wie haben diese Künstler Sie in Ihrem Kunststil beeinflusst?

Der malerische Stil mit der Bildkomposition und Bildgestaltung hat mich nachhaltig positiv bei beiden Lehrern beeinflusst. Ich konnte diesen Unterricht sehr genießen und meine künstlerische Entwicklung voran bringen. Heute male ich ganz andere Bildkompositionen in meinen schwarz weißen Tierportraits, z.B. ein Hase mit einem Löwen- und Leopardenfell der sich selbst weiter entwickelt.

Einige ihrer sehr beindruckenden, neueren Bilder sind stark vom Malstil Picassos inspiriert. Was fasziniert Sie an Picasso?

Der Kunstmarkt entwickelt sich so rasend schnell, da kann man nicht langsam laufen. Pablo Picasso zeigt verschiedene Sichtweisen in seinen Werken auf, auch eine Geschäftsführerin wie. Z.B. der Berlin Produzentengalerie und Achtzig-Galerie sollte immer den Perspektivwechsel im Blick haben, dieser besondere kubistische Künstler führte mich quasi durch mein ganzes Leben. Weil er die persönliche Weiterentwicklung darin sieht, seine Perspektive zu wechseln, um neue kreative Ideen zu entwickeln.

Wann werden wir Ihre Bilder als nächstes live oder online bewundern können und was sind Ihre nächsten Projekte?

Weil ich auch die folgende Galerie im Kunstmarketing betreue sind Besucherinnen und Besucher herzlich dazu eingeladen, die neue Einzelausstellung unter dem Titel: „Chimären aus Tier und Mensch in der Zeit der Corona-Pandemie“ von mir vom 13.01.2021 bis zum 31.03.2021 im Foyer des Degewo-Skywalks in der Raoul-Wallenberg-Straße 40/42 in 12679 Berlin selbständig in Augenschein zu nehmen.

In der Galerie erstererster (Pappelallee 69, 10437 Berlin, Prenzlauer Berg) läuft gerade eine analoge Schaufensterausstellung im Corona Lockdown vom 22. bis zum 26. Februar 2021. Der Titel der Ausstellung lautet wie folgt: „SEELENVITAMIN“ – KUNST VON DREI BERLINER KÜNSTLERINNEN. Es werden Annekatrin Pischelt, Birgit Rakette und Diana Achtzig in der Kunstgalerie mit Kunstmarketing in Berlin präsentiert. Zwei Presseartikel zur Ausstellung: hier und hier. Eine weitere Ausstellung ist vom 16. Juni – 22. Juni 2021 in dieser Kunstgalerie als Künstlerin mit Ölbildern, Bildhauerarbeiten und Skulpturen in Planung.

Als Galeristin werde ich in der Achtzig-Galerie weitere digitale Kunstausstellungen für Künstlerinnen und Künstler im Corona Lockdown durchführen können.

Harald J. Braun macht organische Skulpturen aus Kartoffeln. Was ihn an der Frucht so fasziniert und mit welchen Methoden er seine Kunst konservieren kann, erzählt er im Interview.

Herr Braun, Sie machen Skulpturen aus Kartoffeln. Können Sie uns erzählen, warum Sie so gerne mit Kartoffeln arbeiten? Was fasziniert Sie daran?

Ja, die Kartoffel ist für mich eine faszinierende Frucht. Sie hat eine eigentümlich unregelmäßige inspirierende Form. Diese feste aber doch wässrige Substanz unter der dünnen Schale und die Besonderheit, dass sie schnell bearbeitet werden muss, sonst wird sie weich. Das Schöne an ihr ist, das jede Knolle die ich zum schnitzen in der Hand halte, auf die ich mich einlasse, mir schon etwas erzählt. So kann ich ganz intuitiv und zügig das heraus arbeiten was für mich in ihr inne liegt. Es ist definitiv mein Material, um spontan kreativ zu sein.

Was benötigt man für Werkzeuge, um beispielsweise ein Gesicht aus einer Kartoffel zu schnitzen. Wie gehen Sie dabei vor?

Die Werkzeuge sind immer gleich, ob Kopf oder Körper. Ich benutze ein sehr scharfes und spitz zulaufendes dünnes Schnitzmesser, verschiedene Schlingen für die Tonbearbeitung, Kammwerkzeuge, kleine Profileisen und ganz wichtig Fingernägel. Ich habe aber auch schon Köpfe gehämmert.

“All meine organischen Skulpturen sind Unikate, einmalig und nicht reproduzierbar.”

Was gibt es für Möglichkeiten, um Ihre Skulpturen haltbar zu machen?

Alles trocknet, so auch die Kartoffel. Dies ist meine Basic Methode und dazu benötigt es nur Luft. Bereits die Incas konservierten auf diese Art und Weise Kartoffeln. So genannte Chuños, die auch noch heute als Lebensmittel gehandelt werden und ziemlich unbegrenzt haltbar sind. Man hat hiervon schon 4000 Jahre alte Exemplare gefunden. Ich spreche aber bewusst nicht von haltbar machen, was ein Trugschluss ist, da sich alles in diesem Kosmos in einem Prozess der steten Veränderung befindet. Was meine luftgetrockneten Kartoffelskulpturen betrifft, wage ich zu behaupten, dass diese uns überdauern, sofern sie nicht von Schädlingen befallen werden.

Jetzt zur Gestaltung: Also ich schnitze – immer gleich. Danach überlasse ich meine Skulpturen verschiedenen natürlichen Prozessen unter Zuhilfenahme von Luft, Hitze, Kälte, Salz. Bei meinen `Agglomeren Skulpturen´ wandle ich z.B. den Aggregatzustand oder ich konserviere die Skulptur in dem ich Sie einwecke, das nenne ich `ASS.EX.´ – asservierte Exponate.

Diese Methoden nenne ich wie folgt:

Natural – das ist die Lufttrocknung

Kristallin – hier kommt Salz zur Luft bzw. Hitze hinzu

Frigomer – hier arbeite ich mit Gefriertrocknung

Agglomer (Kartoffel / Bronze)

Last but not least transformiere ich organische Materie nach dem Prinzip der verlorenen Form, in Bronze. Hier stoppe ich bewusst den organischen Prozess der Veränderung und manifestiere die Form, Gestalt, Befindlichkeit meiner Skulptur ins Anorganische. Mit dem Ausbrennen der Kartoffel aus der Form, dem darauf folgenden Eingießen der Bronze und dem Erstarren des Metalls, entstehen Unikate, originäre Skulpturen mit einer von organischen Rückständen behafteten Oberfläche. Dies verstehe ich als Analogie auf Natur, diese transformiert unentwegt, meist unmerklich organische Materie in veränderte Befindlichkeit.

ASS.EX. (asservierte Exponate)
Hier wecke ich die Skulptur ein, konserviere sie in einem Einmachglas, um sie dauerhaft zu fixieren. Das Ganze aber ohne Chemie, so etwa wie bei Muttern. Diese Arbeiten sehe ich jedoch konträr zu meinen naturbezogenen Methoden der Gestaltung – Natural, Kristallin, Frigomer, Agglomer. Diese konservierten Exponaten zeigen Stillstand, ja gar Leblosigkeit auf, hier findet kein erkennbarer und natürlich sichtbarer Veränderungsprozess mehr statt, keine Wandlung. Hier steuert der Mensch, indem er versucht etwas dauerhaft dingfest zu machen. All meine organischen Skulpturen sind Unikate, einmalig und nicht reproduzierbar.

“Kein Gemüse ist so geeignet und universell wie die Kartoffel”

Die meisten Kartoffeln sind nicht besonders groß. Wie gehen Sie vor, wenn Sie größere Skulpturen anfertigen wollen?

Es gibt auch große Kartoffeln, meine Skulpturen sind immer aus einer Knolle, einem Stück gefertigt.

Sie hatten bis vor etwa zehn Jahren einen Obst und Gemüse Stand am Viktualienmarkt in München. Sind Sie auch so auf die Idee mit den Kartoffel-Skulpturen gekommen? Haben Sie auch mit anderem Gemüse experimentiert, um daraus Kunstwerke zu machen?

Ja, die Idee dazu ist wirklich während der Arbeit entstanden und resultierte aus einer ironischen Einlage meines Kompagnons der Scherzes halber eine Kartoffel schnitzte, die wir dann beobachteten. Davon war ich dermaßen in den Bann gezogen, dass ich darauf hin jahrelang ausschließlich mit Kartoffeln experimentierte und arbeitete. Zu ihrer Frage bezüglich anderer Gemüse. Ja, ich habe auch einige Skulpturen in Sellerie, Kohlrabi, Steckrüben geschnitzt. Das war teils ganz ok, aber letztlich nicht so geeignet und universell wie die Kartoffel.

Neben Ihren Kartoffel-Skulpturen, beschäftigen Sie sich als Fotograf mit Fotokunst. An was arbeiten Sie dabei aktuell und was sind Ihre Pläne für die Zukunft?

Die Kartoffelkunst, bzw. das Arbeiten mit organischen Skulpturen, wie ich meine Arbeit mit den Kartoffeln nenne, ruht zur Zeit. Aktuell bin ich nur fotografisch aktiv, sowohl künstlerisch als auch gewerblich. Thematisch habe ich hier auch eine Serie mit Obst und Gemüse abgelichtet die sich `Fruit Art Collection´ nennt. Bilder hierzu und weiteren Arbeiten finden sich auf meiner Instagram Seite, Harald J. Braun – ART WORKS. Welche Projekte ich nun zukünftig machen werde, wissen aber nur die Sterne.

Die Organische Skulptur

Leben ist Veränderung. lst Vergänglichkeit. lst Lebendigkeit.
Jeder und alles wandelt sich ständig und immer während, doch diese alltägliche Wandlung vollzieht sich meist im Schatten unserer Aufmerksamkeit – also unbemerkt.
Harald J. Braun versucht mit seinen organischen Arbeiten eine Konfrontation mit der zwangsläufigen Veränderung herzustellen und dem Betrachter Vergänglichkeit – sprich: Lebendigkeit bewusst zu machen, da deren Metamorphose viel rascher und unmittelbarer abläuft.
Die Exponate erzählen ihre einmalige Geschichte, autark, in den Prozess des Lebens gebettet, unaufhaltsam und doch nicht verloren, doch nicht sinnlos.
Außerhalb dieses Prozesses, der in Raum und Zeit nicht zu bändigen ist und sich auch im Unermesslichen / Unerklärbaren vollzieht – dort, wo einst alles Leben entstand – steht der Betrachter. Als Zeuge, stiller Beobachter eines Ur-Vorgangs, Entdecker einer Analogie, dessen Axiom auch er – wie alles Lebende – in sich trägt.

Text: Vartan Tekneyan