Straßenkunst, oft als Street-Art bezeichnet, hat sich in den letzten Jahrzehnten zu einer der bedeutendsten und vielseitigsten Kunstformen der modernen Welt entwickelt. Was einst als rebellische Ausdrucksform in den städtischen Untergrundszenen begann, hat sich inzwischen in den Mainstream der Kunstwelt eingegliedert und prägt heute das urbane Landschaftsbild vieler Städte weltweit. Straßenkunst ist mehr als nur Farbe auf Beton – sie ist ein Spiegelbild gesellschaftlicher Strömungen, politischer Meinungen und kultureller Identität. Dieser Artikel lädt dazu ein, die faszinierende Welt der Straßenkunst zu entdecken, ihre Ursprünge zu verstehen und ihre Bedeutung für die moderne Gesellschaft zu erkennen.

Die Ursprünge der Straßenkunst: Von Graffiti zu Urban Art

Die Geschichte der Straßenkunst ist tief in den urbanen Subkulturen verwurzelt, insbesondere in den Bewegungen der 1970er Jahre in Städten wie New York und Philadelphia. Graffiti, als eine der ersten Formen der Straßenkunst, entstand in den ärmeren Stadtteilen als Mittel des Selbstausdrucks und der Rebellion gegen das Establishment. Jugendliche, oft aus marginalisierten Gemeinschaften, nutzten Graffiti, um ihre Identität in einer Gesellschaft zu behaupten, die sie oft übersehen oder unterdrückt hatte. Mit simplen Tags, komplexen Schriftzügen und auffälligen Wandgemälden setzten sie ihre Spuren in der urbanen Landschaft.

Im Laufe der Jahre entwickelte sich Graffiti weiter und wurde komplexer, sowohl in technischer als auch in thematischer Hinsicht. Künstler begannen, soziale und politische Botschaften in ihre Werke zu integrieren, und die Kunstform gewann an Bedeutung und Anerkennung. Was einst als Vandalismus angesehen wurde, wurde zunehmend als legitime Kunstform wahrgenommen, insbesondere als Künstler begannen, ihre Arbeiten auf Leinwände und in Galerien zu bringen. Diese Entwicklung führte zur Entstehung der breiter gefassten Kategorie “Urban Art”, die neben Graffiti auch andere Formen der Straßenkunst umfasst, wie zum Beispiel Schablonenkunst, Plakatkunst und großformatige Wandgemälde.

Die Rolle von MUCA (Museum of Urban and Contemporary Art) in München in der Förderung der Straßenkunst

Das MUCA – Münchens führendes Street-Art-Museum hat eine zentrale Rolle bei der Förderung und Präsentation der Straßenkunst gespielt. Als eines der ersten Museen weltweit, das sich ausschließlich der Urban Art widmet, hat das MUCA es sich zur Aufgabe gemacht, die vielfältigen Ausdrucksformen dieser Kunst zu würdigen und einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Das Museum bietet nicht nur Ausstellungen internationaler Künstler, sondern auch eine Plattform für aufstrebende Talente, die ihre Werke der Öffentlichkeit präsentieren können.

Im MUCA wird deutlich, dass Straßenkunst weit mehr ist als nur eine flüchtige Ausdrucksform – sie ist eine ernstzunehmende Kunstbewegung, die sowohl inhaltlich als auch ästhetisch tiefgründig ist. Das Museum leistet einen wichtigen Beitrag dazu, die Relevanz und die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst zu verdeutlichen, indem es diese Kunstform aus den Straßen in die musealen Räume holt, ohne dabei ihre Wurzeln und ihre Authentizität zu verlieren.

“Straßenkunst ist mehr als nur Farbe auf Wänden – sie ist ein Spiegelbild unserer Gesellschaft und eine Stimme für diejenigen, die oft ungehört bleiben.”

Die Ausstellung im MUCA zeigt, wie Straßenkunst als Medium genutzt wird, um soziale Ungerechtigkeiten, politische Konflikte und kulturelle Themen zu thematisieren. Die Werke regen zum Nachdenken an und eröffnen neue Perspektiven auf die Welt, in der wir leben. Künstler wie Banksy, Shepard Fairey und JR haben durch ihre Arbeiten internationale Anerkennung erlangt und gezeigt, dass Straßenkunst eine kraftvolle Stimme für gesellschaftliche Veränderungen sein kann.

Die verschiedenen Stilrichtungen der Straßenkunst und ihre kulturelle Bedeutung

Die Vielfalt der Straßenkunst ist so groß wie die Kulturen, aus denen sie hervorgeht. Von den simplen, aber aussagekräftigen Schablonenarbeiten eines Blek le Rat bis hin zu den komplexen Wandgemälden von Künstlern wie Os Gemeos oder Eduardo Kobra – die Bandbreite der Stilrichtungen in der Straßenkunst ist beeindruckend. Jede dieser Stilrichtungen trägt eine eigene kulturelle Botschaft und reflektiert die Einflüsse der Umgebung, in der sie entsteht.

Ein besonders prägnantes Beispiel für die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst ist die Schablonenkunst, die durch ihre Präzision und Wiederholbarkeit auffällt. Sie wird oft genutzt, um starke, provokative Botschaften zu verbreiten, die leicht reproduziert werden können. Diese Kunstform hat ihren Ursprung in den politischen Bewegungen Frankreichs und hat sich seitdem weltweit verbreitet. Ein weiteres Beispiel ist die großformatige Wandmalerei, die oft in südamerikanischen Ländern wie Brasilien und Mexiko zu finden ist. Diese Werke sind tief in den Traditionen und Geschichten der jeweiligen Regionen verwurzelt und bringen die kulturelle Identität der Gemeinschaften, in denen sie entstehen, auf beeindruckende Weise zum Ausdruck.

Die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst zeigt sich auch in ihrer Rolle als Plattform für soziale und politische Kommentare. Künstler nutzen die Öffentlichkeit als Leinwand, um ihre Ansichten zu Themen wie Armut, Rassismus, Umweltzerstörung und Menschenrechten auszudrücken. In vielen Fällen dienen diese Werke als Katalysator für Diskussionen und als Werkzeug für soziale Veränderungen. Die Straßenkunst schafft so einen Raum, in dem gesellschaftliche Themen sichtbar gemacht und zur Debatte gestellt werden können.

Die wirtschaftlichen und sozialen Auswirkungen der Straßenkunst auf urbane Räume

Straßenkunst hat nicht nur eine ästhetische, sondern auch eine tiefgreifende wirtschaftliche und soziale Wirkung auf die Städte, in denen sie präsent ist. In vielen Fällen trägt Straßenkunst zur Aufwertung von Stadtvierteln bei, die zuvor als vernachlässigt galten. Durch die Schaffung von Kunstwerken im öffentlichen Raum werden diese Gebiete attraktiver für Bewohner, Touristen und Investoren, was zu einer positiven wirtschaftlichen Entwicklung führt.

Ein bemerkenswertes Beispiel hierfür ist die Entwicklung des Viertels Wynwood in Miami, das einst ein heruntergekommenes Industriegebiet war. Durch die gezielte Förderung von Straßenkunst und die Errichtung von Kunstmauern, den sogenannten “Wynwood Walls”, hat sich das Viertel in ein kulturelles Zentrum und eine Touristenattraktion verwandelt. Die Straßenkunst hat dazu beigetragen, dass neue Unternehmen und Galerien in das Gebiet gezogen sind, was wiederum die lokale Wirtschaft belebt hat.

Straßenkunst kann auch eine integrative Wirkung auf die Gemeinschaften haben, in denen sie entsteht. Indem sie den öffentlichen Raum verschönert und ihn für alle zugänglich macht, fördert sie den sozialen Zusammenhalt und das Gemeinschaftsgefühl. In vielen Städten haben sich Street-Art-Festivals etabliert, bei denen Künstler aus aller Welt zusammenkommen, um gemeinsam Kunstwerke zu schaffen. Diese Events ziehen nicht nur Kunstliebhaber an, sondern auch Menschen, die sich zuvor nicht für Kunst interessiert haben. So wird Straßenkunst zu einem Mittel, das die Menschen zusammenbringt und den Dialog zwischen verschiedenen gesellschaftlichen Gruppen fördert.

Die Zukunft der Straßenkunst: Nachhaltigkeit und digitale Transformation

Mit dem zunehmenden Bewusstsein für Umweltfragen und der digitalen Revolution steht auch die Straßenkunst vor neuen Herausforderungen und Möglichkeiten. Nachhaltigkeit wird ein immer wichtigeres Thema, und viele Künstler suchen nach umweltfreundlichen Materialien und Techniken, um ihre Werke zu schaffen. Einige haben begonnen, recycelte Materialien zu verwenden oder umweltfreundliche Farben zu entwickeln, die die Umwelt weniger belasten.

Ein weiteres spannendes Feld ist die digitale Transformation der Straßenkunst. Mit der Verbreitung von Smartphones und sozialen Medien haben Straßenkünstler die Möglichkeit, ihre Werke einem globalen Publikum zugänglich zu machen. Virtuelle Realität (VR) und Augmented Reality (AR) bieten neue Wege, Kunstwerke zu erleben und zu interagieren. Einige Künstler experimentieren bereits mit digitalen Installationen, die in Echtzeit verändert werden können oder mit der Umgebung interagieren.

Die Digitalisierung eröffnet der Straßenkunst ungeahnte Möglichkeiten, den öffentlichen Raum neu zu gestalten und Kunst für alle zugänglich zu machen.

Diese Entwicklung stellt jedoch auch eine Herausforderung dar, da sie die traditionelle Vorstellung von Straßenkunst als flüchtige, vergängliche Kunstform infrage stellt. Die Balance zwischen Erhalt und Veränderung, zwischen analoger und digitaler Kunst, wird entscheidend sein für die Zukunft der Straßenkunst. Wie diese Zukunft genau aussehen wird, bleibt abzuwarten, doch eines ist sicher: Straßenkunst wird weiterhin eine dynamische und relevante Ausdrucksform bleiben, die sich ständig weiterentwickelt und an die Veränderungen der Gesellschaft anpasst.

Die bleibende Bedeutung der Straßenkunst

Straßenkunst hat sich von einer subversiven Ausdrucksform zu einer weltweit anerkannten Kunstbewegung entwickelt, die sowohl ästhetisch als auch gesellschaftlich bedeutend ist. Sie bereichert urbane Räume, fördert den sozialen Dialog und trägt zur wirtschaftlichen Entwicklung bei. Museen wie das MUCA – Münchens führendes Street-Art-Museum spielen eine entscheidende Rolle bei der Anerkennung und Förderung dieser Kunstform, indem sie ihre kulturelle Relevanz hervorheben und einem breiteren Publikum zugänglich machen.

Die Zukunft der Straßenkunst wird durch den Balanceakt zwischen Nachhaltigkeit und digitaler Innovation geprägt sein. Während Künstler nach umweltfreundlichen Lösungen suchen und neue Technologien erkunden, bleibt die Essenz der Straßenkunst – der unmittelbare öffentliche Ausdruck – bestehen. Diese Kunstform wird weiterhin als Spiegel unserer Gesellschaft dienen, aktuelle Themen aufgreifen und den urbanen Raum auf kreative Weise gestalten.

Straßenkunst ist mehr als nur ein visuelles Erlebnis; sie ist ein kulturelles Phänomen, das die Macht hat, Menschen zu inspirieren, zu verbinden und zum Nachdenken anzuregen. Ihre Bedeutung wird in einer zunehmend globalisierten und digitalisierten Welt nur noch wachsen.

Die berühmt-berüchtigte “New York School” bezieht sich auf eine Strömung von abstrakten Werken in den Jahrzehnten nach dem 2.Weltkrieg, die für den Aufstieg der abstrakten Malerei in der Mitte des 20. Jahrhunderts von zentraler Bedeutung waren. Dabei handelte es sich jedoch nicht um eine “echte” Schule im herkömmlichen Sinne, sondern um eine interdisziplinäre Bewegung von Malern und Bildhauern, Dichtern, Schriftstellern, Tänzern, Musikern, Komponisten etc., die sich im Umfeld des damals preisgünstigen Viertels Greenwich Village im Lower Manhattan von New York City ansiedelten.

Zu dieser Zeit wurde die Idee einer modernen amerikanischen Kunstbewegung belächelt, da die Europäer die Kunstentwicklung weltweit dominierten und Paris das unbestrittene Zentrum der modernen Kunst war. Für die (später erfolgreiche) Absicht, die Hauptstadt der Kunstwelt nach New York City zu verlegen, spielten Einflüsse europäischer Kunstbewegungen wie der Kubismus und Surrealismus, die Zuwanderung großer Künstler und Denker aufgrund des 2. Weltkriegs sowie das frisch gegründete Museum of Modern Art eine zentrale Rolle.

Im Mittelpunkt stand der Gedanke, das Alte, ‘das Europäische’ loszuwerden und es durch neue Materialien der Arbeiterklasse zu ersetzen, um ultimativ die Malerei von allem zu reinigen, was ihr fremd ist. Und das bedeutete auch: Die Lossagung von jeglichem Sujet.

Berühmte Gemälde bekannter Künstler der New York School

Barnett Newman: Vir heroicus sublimis

“Just as I affect the canvas, so does the canvas affect me.” — Barnett Newman

Der Maler und Theoretiker Barnett Newman, Sohn polnisch-jüdischer Einwanderer,  war einer der intellektuellsten Künstler der New York School. Geprägt durch sein Philosophiestudium am City College of New York und sein politisches Engagement, kandidierte er z.B. für das Amt des Bürgermeisters, und war sich v.a. der akuten Bedrohungen des Nationalsozialismus und der Atombombe bewusst.

Für ihn war die Kunst ein Akt der Selbstschöpfung und ein Bekenntnis zur politischen, intellektuellen und individuellen Freiheit. Er war bereits etwa 30, als er mit der Malerei begann, und viele seiner frühen Arbeiten hielt er für unwürdig und vernichtete sie später – erst ab 1944 betrachtete er sein Werk als ausgereift.

Alle seiner Werke, darunter auch das berühmte ‘Vir heroicus sublimis’ enthalten mindestens ein vertikales Band, das den oberen und unteren Rand des Bildes verbindet und das er “Reißverschluss” nannte. Seine anarchische Unabhängigkeit und seine kompromisslose Haltung waren prägend für seine Kunst, die erst in den 1960er Jahren breite Akzeptanz fand.

Jackson Pollock: No. 5, 1948

“My method of painting is a natural growth out of a need: I want to express my feelings rather than illustrate them.” — Jackson Pollock

Jackson Pollock wurde 1912 in Wyoming geboren und wuchs in Arizona und Kalifornien auf. Im Alter von 18 Jahren zog er nach New York, um unter Thomas Hart Benton zu studieren. Pollocks frühes figuratives Werk spiegelt diese Mentorschaft wider (von der er sich später distanzieren sollte), genau so wie sein breit gefächertes Interesse am Surrealismus, am Unterbewusstsein, an politisch aufgeladenen Gemälden der mexikanischen Muralisten, an der Kunst der amerikanischen Ureinwohner und an den Werken von Pablo Picasso.

Obwohl Pollock am besten für seine so genannten “Drip Paintings” wie z.B. ‘No. 5, 1948 ’bekannt ist, kam er erst 1947 zu diesem Stil, nachdem er mehr als 15 Jahre lang Figuration, Abstraktion und Kompositionen, die beide miteinander verschmolzen, erkundet hatte.

Seine bahnbrechende Methode bestand darin, dass der Künstler immer größere, ungespannte Leinwände auf den Boden legte und dann flüssige Emaillefarben darauf schleuderte, tropfte und schüttete, was zu dicht verwobenen Netzwerken seiner Gesten führte.

In seinen frühen Experimenten mit der Tropftechnik folgte Pollock der surrealistischen Tradition, indem er zufällige Effekte in seine Kompositionen einbrachte und die Farbe nicht mehr starr mit dem Pinsel kontrollierte.

Doch bald schon beherrschte er diese Technik, indem er die Bewegungen seines Körpers wie ein Tänzer oder Sportler kontrollierte, die sich dann fließend in lineare Zeichen auf der Leinwand darunter umsetzten.

Zeit seines Lebens hing Pollock der Stereotyp eines ‘gequälten Genies’ an, den das Life-Magazone 1949 als den “größte lebende Maler der Vereinigten Staaten” bezeichnete. Gefestigt wurde dieses Bild auch von seinem Unfalltod im Alter von 44 Jahren, nachdem er betrunken mit seinem Auto gegen einen Baum geprallt war.

Willem De Kooning: Woman I

“What you do when you paint, you take a brush full of paint, get paint on the picture, and you have fate.” — Willem de Kooning

Wenn Jackson Pollock das öffentliche Gesicht der New Yorker Avantgarde war, war Willem de Kooning für viele der ‘heimliche Anführer’ der Bewegung. Er wurde in Rotterdam in ärmlichen Verhältnissen geboren, und besuchte dort die Akademie, wo er eine Ausbildung in der bildenden und kommerziellen Kunst erhielt.

Als junger, abenteuerlustiger Künstler begab er sich 1926 als blinder Passagier auf ein Schiff nach Argentinien, umging die Einwanderungsbehörde und machte sich auf den Weg nach New Jersey, wo er zunächst als Hausmaler arbeitete.

Große Pinsel und flüssige Farben waren die Werkzeuge seines Berufs, die er auch während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn verwenden sollte. Zu großer Bekanntheit als Künstler brachte Koonig es in den 1940er Jahren, wo er schließlich zu einem wichtigen Bindeglied zwischen der Malerei der New York School und der europäischen Moderne wurde.

Körperliche Arbeit und zahllose Überarbeitungen waren Konstanten in seinen Werken wie ‘Woman I’, in denen er die Grenzen zwischen Figuration und Abstraktion verschmolz. Besonders seine Frauenbilder gehörten schon damals zu den umstrittensten Werken, und werden auch heute noch intensiv diskutiert.

Mark Rothko: Untitled, 1968

“My paintings’ surfaces are expansive and push outward in all directions, or their surfaces contract and rush inward in all directions. Between these two poles, you can find everything I want to say.” — Mark Rothko

Mark Rothko, geboren 1903 als Markus Rothkowitz in Lettland, wanderte 1913 mit seiner Familie in die Vereinigten Staaten aus. Nach seinem Abbruch an der Yale University fand auch er in New York seinen Platz, und begann dort 1925 ein Studium an der Parsons School of Design bei dem Maler Arshile Gorky, der ihn und viele andere abstrakte Expressionisten stark beeinflusste.

Mark Rothko wollte Bilder malen, die die Menschen zu Tränen rühren. Wie seine Malerkollegen der New York School – z.B. Barnett Newman – malte Rothko, um die Tiefen seiner selbst und der menschlichen Existenz auszuloten. Für ihn war Kunst eine tiefgreifende Form der Kommunikation, und Kunst zu machen war ein moralischer Akt.

“Ich bin nur daran interessiert, grundlegende menschliche Emotionen auszudrücken – Tragödie, Ekstase, Untergang und so weiter”, erklärte er. “Und die Tatsache, dass viele Menschen zusammenbrechen und weinen, wenn sie meine Bilder sehen, zeigt, dass ich diese grundlegenden menschlichen Emotionen vermitteln kann.”

So wurde er ab 1947 zum Pionier der Farbfeldmalerei, der sich durch große Freiräume und eine ausdrucksstarke Verwendung von Farbe auszeichnet. Werke wie ‘Untitled (1968)’ verhalfen ihm schon zu Lebzeiten zu sowohl kritischen als auch kommerziellen Erfolg.

Den Rest seiner Karriere verbrachte Rothko damit, die grenzenlosen Möglichkeiten zu erforschen, die sich aus der Schichtung unterschiedlich großer und farbiger Rechtecke auf Farbfeldern ergeben.

Doch auch er kämpfte mit schweren Angstzuständen und gesundheitlichen Problemen, und seiner damit verbundenen Trink- und Rauchgewohnheiten, die schlussendlich zu seinem Suizid im Jahre 1970 im Alter von 66 Jahren führten.

Agnes Martin: Friendship, 1963

“Self-expression is inevitable. In your work, in the way that you do your work and in the results of your work your self is expressed.” — Agnes Martin

Geboren im kanadischen Südwesten, zog Agnes Martin 1931 im Alter von 12 Jahren in die Vereinigten Staaten, um bei ihrer Schwester zu leben. In den folgenden 25 Jahren durchquerte sie das Land von Washington, New Mexico und Oregon bis nach New York. Während dieser Zeit unterrichtete sie, erwarb einen Bachelor- und einen Master-Abschluss in Bildender Kunst & Kunsterziehung und erkannte mit 30 Jahren, dass sie Künstlerin werden wollte.

In den frühen 1950er Jahren lernt sie den Buddhismus und Taoismus kennen, und verbindet diese spirituellen und philosophischen Systeme zu einem persönlichen, ethischen Kodex, nach dem sie lebte und an das Kunstschaffen heranging.

Während ihres Aufenthalts in New York von 1957 bis 1967 lebte sie in einer Künstlergemeinschaft – eine Erfahrung, die ihr Leben und ihre Arbeit nachhaltig beeinflusste. Dort schuf sie die sparsamen, rasterartigen Kompositionen aus geometrischen Formen, die in sich wiederholenden, symmetrischen Mustern angeordnet waren.

Bis 1963 hatte sie das Raster zu ihrem wichtigsten kompositorischen Mittel gemacht, das sie auf quadratische Leinwände legte, die sie mit gedämpften Schleiern durchscheinender Farbe überzog. Werke wie ‘Friendship, 1963’ werden oft als Minimalismus bezeichnet, doch ist Martin wahrscheinlich eher als letzte Vertreterin des Abstrakten Expressionismus zu verstehen, den sie von Gestik befreite und mit systematischen Wiederholungen bereicherte.

Ab 1967 wurde Agnes Martins Leben in Manhattan unhaltbar, da Todesfälle und der Abriss ihres Hauses zu schizophrenen Schüben führte. Martin malte, schrieb und hielt Vorträge bis zu ihrem Tod im Jahr 2004, im Alter von 92 Jahren.

Yayoi Kusama: Infinity Net (1961)

“Bring on Picasso, bring on Matisse, bring on anybody! I would stand up to them all with a single polka dot!” — Yayoi Kusama

Kusama wurde 1929 in eine wohlhabende, aber zerrüttete Familie in Nagano, Japan, hineingeboren. Ihre schwierige Kindheit war geprägt von, wie sie behauptet, der Grausamkeit ihrer Mutter, der Untreue ihres Vaters und der Entmutigung ihres Interesses an der Kunst durch die Familie.

Sie begann im Alter von 10 Jahren zu malen, als sie die visuellen und akustischen Halluzinationen erlebte, die sie für den Rest ihres Lebens plagten, aber auch ihre Kreativität beflügelten. Nach einem Studium der traditionellen japanischen Malerei in Kyoto verließ Kusama die Schule und zog 1958 nach New York.

Zum ersten Mal frei und ungehindert, begann sie mit großformatigen monochromen Gemälden, für die sie schnell die Aufmerksamkeit der Kritiker auf sich zog und zu einem wichtigen Teil der New Yorker Avantgarde-Kunstszene wurde.

Sie entwickelte einen unverwechselbaren Stil, der sich auf Ansätze des Abstrakten Expressionismus, des Minimalismus, der Pop Art, der feministischen Kunst und der Institutionskritik stützte – so auch zu sehen in ‘Infinity Net’ (1961).

Bis in die 1970er Jahre schuf die produktive Künstlerin dort Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Happenings, Installationen, Mode und Filme. Alle Erzeugnisse zeichnen sich durch ihre einzigartige Ästhetik aus, die durch den großzügigen Einsatz von sog. ‘Polka-Dots’ und dichten, sich wiederholenden Mustern gekennzeichnet sind, um ein Gefühl der Unendlichkeit zu erzeugen.

1973 kehrte Kusama nach Japan zurück, um sich 2 Jahre später in psychische Behandlung im Seiwa-Krankenhaus zu begeben, wo sie bis heute lebt und arbeitet.

Das Rokoko (ca. 1720 bis 1760) ist eine Stilrichtung der europäischen Kunst, die auf den Barock folgt und deshalb mancherorten auch als Spätbarock bezeichnet wird. Die Übergänge vom Barock zum Rokoko gelten als fließend, trotzdem ist das Rokoko als eigener Stil zu sehen, mit Stilmerkmalen, die sich deutlich vom Barock abgrenzen. Einige sehr berühmte Gemälde bekannter Künstler werden dieser Epoche zugeordnet. Der Begriff Rokoko kommt vom französischen Wort rocaille, was Muschel bedeutet.

Die Malerei im Rokoko ist nicht mehr vom großen Pathos und der Dramatik der Barockmalerei geprägt. Die Bilder des Rokoko sind stimmungsvoller und Szenerien häufig in warmes Licht getaucht. Vor allem lichte und transparente Farben werden eingesetzt, rosa, weiß und helle Blautöne.

Der größte Unterschied zum Barock liegt in den Themen der Bildmotive. Die Szenen zeigen häufig so genannte „Schäferstücke“ bzw. „Pastoralen“, also spielerische Szenen in idyllische Landschaften gebettet.

Berühmte Gemälde bekannter Künstler des Rokoko

Antoine Watteau: Die Einschiffung nach Kythera

(1717, Öl auf Leinwand, 129 cm x 194 cm, Louvre Paris)

Antoine Watteaus berühmtes Gemälde „Die Einschiffung nach Kythera“ ist eines der ersten Gemälde, das typische Stilelemente des Rokoko aufweist. Mit diesem Bild hat Watteau eine neue Bildgattung begründet, die „Fêtes galantes“ genannt wird und die gehobene Gesellschaft beim galanten Zeitvertreib zeigt. In dem Ölgemälde „Die Einschiffung nach Kythera“ sieht man eine Anzahl von Paaren, die am Seeufer auf ein Boot warten, das sie nach Kythera bringen soll. Kythera ist eine griechische Insel, die der Mythologie zufolge der Ort ist, an dem Venus an Land kam.

Das Gemälde existiert in drei unterschiedliche Varianten, diese Version ist aber wohl die bekannteste.

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Jean Siméon Chardin: Das Tischgebet

(1740, Öl auf Leinwand, 49 cm x 38 cm, Louvre Paris)

Chardin gehört sicher nicht zu den typischen Vertreter des Rokoko, denn seine Bilder zeigen keine gehobenen Gesellschaften, sondern bescheidene, bürgerliche Szenen. Im „Tischgebiet“ zeigt sich die Diskrepanz Chardins zu seinen Zeitgenossen Boucher und Fragonard, die Glanz und Pomp in den Mittelpunkt stellen.

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Jean-Honoré Fragonard: Die Schaukel

(1767, Öl auf Leinwand, 81 x 65 cm, Wallace Collection, London)

„Die Schaukel“ von dem bekannten Künstler Jean-Honoré Fragonard ist ein typisches Rokoko Gemälde – helle, liebliche Farben in einer spielerischen Szene.

Eine junge Frau sitzt auf einer Schaukel, gehüllt in warmes Sonnenlicht. Ihr zu Füßen ein Liebhaber, der wohl nicht zufällig in einer Position liegt, die es ihm ermöglicht, einen Blick unter ihren Rock zu erhaschen.

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François Boucher: Ruhendes Mädchen

(1752, Öl auf Leinwand 59 x 73 cm, Alte Pinakothek München)

Bei dem „ruhenden Mädchen“, das Francois Boucher hier malte, handelt es sich um die 15jährige Louise O’Murphy. Boucher hat dieses berühmte Gemälde zwei Mal gemalt. Das hier gezeigte Gemälde ist die zweite Fassung, die im Wallraff-Richartz-Museum in Köln ausgestellt ist. Die zwei Versionen des „ruhenden Mädchens“ unterscheiden sich nur geringfügig.

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Die Renaissance war eine Kulturepoche im 15. Und 16. Jahrhundert und nahm Ihren Anfang in Italien. Vor allem die Städte Norditaliens waren Zentren der Kunst, Kultur und Wissenschaft und haben bekannte Künstler wie Leonardo da Vinci und Michelangelo hervorgebracht. Einige berühmte Bilder und Gemälde stammen aus dieser Zeit.

Die Malerei in der Renaissance erfuhr in dieser Epoche einen grundlegenden Wandel. Mithilfe der so genannten Zentralperspektive bekamen Gemälde räumliche Tiefe. Figuren wurden zunehmend anatomisch korrekt abgebildet im Hinblick auf Maße und Proportionen. Auch die Bildkomposition basierte auf genauen geometrischen Überlegungen. Die Themen der Renaissance Malerei sind hauptsächlich christliche, neben Allegorien und Landschaften.

Berühmte Gemälde bekannter Künstler aus der Renaissance

Sandro Botticelli: Die Geburt der Venus

(1485/86, Tempera auf Leinwand, 172,5 cm × 278,5 cm, Uffizien Florenz)

Das berühmte Gemälde „Die Geburt der Venus“ von Sandro Botticelli wurde wie viele seiner Werke von seinem Mäzen Lorenzo di Pierfrancesco de Medici in Auftrag gegeben. Zu diesem Bildmotiv soll Botticelli ein Gedicht von Angelo Poliziano inspiriert haben, demnach die Venus aus einer Muschel geboren wird.

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Leonardo da Vinci: Das Abendmahl

(1495-1498, Secco, 422 cm × 904 cm, Santa Maria delle Grazie Mailand)

Eines der berühmtesten Gemälde überhaupt: “Das Abendmahl” von Leonardo da Vinci. Das Bild zeigt Jesus, der mit seinen 12 Aposteln an einer langen Tafel sitzt. Die Szene ist auf die Person Jesu in der Mitte des Bildes fokussiert – hervorgehoben durch die damals neue Zentralperspektive.

Das Abendmahl von Leonardo da Vinci zählt seit 1980 zum UNESCO Weltkulturerbe.

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Leonardo da Vinci: Mona Lisa (La Gioconda)

(1503-1505, Öl auf Pappelholz, 76,8 cm x 53 cm, Louvre Paris)

Man kann wohl guten Gewissens behaupten, dass die Mona Lisa das bekannteste Gemälde der Welt ist. Jeden Tag stehen tausende Menschen im Louvre Schlange, um einen Blick auf das Werk von Leonardo da Vinci zu werfen.

Bis heute ist die Identität der „Mona Lisa“ nicht endgültig geklärt. Manche behaupten sogar, auf dem Bild sei ein Mann dargestellt. Da Vincis Biograph Giorgio Vasari deutete im 16. Jahrhundert an, es handele sich bei der „Mona Lisa“ um ein Porträt der Lisa del Giocondo, die Gattin eines Kaufmanns aus Florenz.

Besonders faszinierend an dem berühmten Gemälde ist das einmalige Lächeln der Mona Lisa und ihre Augen, die dem Betrachter immer zu folgen scheinen.

Im Jahr 1911 ist es Dieben gelungen das berühmte Bild zu stehlen. Erst zwei Jahre später konnte es wieder sichergestellt werden.

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Michelangelo: Die Erschaffung Adams

(1508-1512, Fresko, 480 cm × 230 cm, Sixtinische Kapelle Rom)

Die Decke der Sixtinischen Kapelle in Rom ist mit dem Fresko „Die Erschaffung Adams“ von Michelangelo verziert. Der bekannte Künstler arbeitet rund vier Jahre an dem ca. 500 Quadratmeter großen Fresko, das Szenen aus dem Alten Testament zeigt.
Vor allem die Bildkomposition macht dieses Werk so besonders. Die Berührung der Finger ist genau im Goldenen Schnitt platziert.

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Raffael: Die Sixtinische Madonna

(1513/14, Öl auf Leinwand, 256 cm × 196 cm, Galerie Alte Meister Dresden)

Die meisten Menschen haben die beiden kindlichen Engelsgestalten (so genannte Putten) am Fuße des Ölgemäldes “Die Sixtinische Madonna” von Raffael sicher schon mal gesehen, denn sie müssen seit Jahren für Kitsch jeglicher Couleur herhalten. Das Gemälde in Gänze kennen dagegen meist nur Kunstinteressierte.

Auf dem Bild sieht man die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind, in Begleitung zweier Heiliger. Links im Bild ist der Heilige Sixtus abgebildet, rechts im Bild sieht man die Heilige Barbara. Der Hintergrund des Bilds ist bemerkenswert: Bei näherer Betrachtung erkennt man unzählige Engelsköpfe.

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