In der modernen Welt, in der jeder Aspekt des Lebens digitalisiert wird, suchen Menschen zunehmend nach Möglichkeiten, sich kreativ auszudrücken und ihre individuelle Persönlichkeit hervorzuheben. „Malen nach Zahlen für Erwachsene“ bietet eine einzigartige Gelegenheit, genau dies zu tun – indem man persönliche Fotos in beeindruckende Gemälde verwandelt. Der Charme dieses Hobbys liegt nicht nur in der Möglichkeit, entspannende Stunden mit Pinsel und Farben zu verbringen, sondern auch darin, eigene Erinnerungen in Kunstwerke zu transformieren, die sowohl emotionale Bedeutung haben als auch ästhetisch ansprechend sind.

Die Popularität des Malens nach Zahlen für Erwachsene

In den letzten Jahren hat das Malen nach Zahlen eine Renaissance erlebt, vor allem unter Erwachsenen. Diese Form der Kunsttherapie ist bekannt dafür, dass sie nicht nur als kreatives Outlet dient, sondern auch psychologische Vorteile wie Stressreduktion und eine Verbesserung der mentalen Gesundheit bietet. Durch die Konzentration auf das Ausfüllen der Zahlenfelder können die Gedanken von den Sorgen des Alltags abschweifen, was eine meditative Wirkung hat. Die Fähigkeit, ein handgreifliches Produkt eigener Arbeit zu sehen, stärkt das Selbstwertgefühl und gibt ein Gefühl der Erfüllung.

Das Malen nach Zahlen kann auch als eine Form der informellen Kunstbildung betrachtet werden, bei der die Benutzer durch das Nachzeichnen vorgegebener Linien und das Ausfüllen mit Farben grundlegende Fähigkeiten in Maltechniken erlernen und verbessern können. Dies macht es zu einer zugänglichen Methode für jeden, unabhängig von seinem künstlerischen Können.

“Ein Bild sagt mehr als tausend Worte – und wenn man es selbst malt, erzählt es die ganze Geschichte.”

Diese Worte fangen die Essenz des Malens nach Zahlen treffend ein. Wenn Sie ein persönliches Foto in ein Gemälde umwandeln, geben Sie nicht nur ein Bild wieder, sondern auch die Emotionen und Erinnerungen, die mit diesem Bild verbunden sind. Jeder Pinselstrich trägt Ihre persönliche Note und erzählt einen Teil Ihrer Geschichte. Dieser Prozess macht jedes fertige Werk einzigartig und persönlich wertvoll.

Schritt-für-Schritt-Anleitung: Vom Foto zum Gemälde

Der Malen nach Zahlen mit eigenem Foto Prozess erfordert Sorgfalt und Aufmerksamkeit, um sicherzustellen, dass das Endprodukt sowohl technisch als auch ästhetisch zufriedenstellend ist. Hier ist eine ausführliche Anleitung, wie Sie Ihre eigenen Bilder in beeindruckende Gemälde verwandeln können:

Schritt 1: Auswahl des richtigen Fotos

Der erste Schritt ist die Auswahl eines Fotos, das Sie in ein Malen-nach-Zahlen-Kunstwerk verwandeln möchten. Wählen Sie ein Bild mit emotionaler Bedeutung oder ästhetischem Wert. Achten Sie darauf, dass das Foto nicht zu viele kleine Details enthält, da diese in der Malen-nach-Zahlen-Umsetzung schwer zu erkennen und zu malen sein können. Ideal sind klare, gut beleuchtete Bilder mit deutlichen Kontrasten zwischen den verschiedenen Elementen des Fotos.

Schritt 2: Digitalisierung und Anpassung des Fotos

Sobald Sie Ihr Foto ausgewählt haben, muss es digitalisiert und für das Malen nach Zahlen formatiert werden. Dieser Schritt kann über spezialisierte Dienste erfolgen, die das Bild in ein Raster aus Zahlen und Farbfeldern umwandeln. Hierbei wird jedes Segment des Bildes einer bestimmten Farbe zugeordnet, die durch eine Nummer gekennzeichnet ist. Diese Nummerierung hilft Ihnen später beim Malen, die richtigen Farben zu verwenden.

Schritt 3: Materialien beschaffen

Bevor Sie mit dem Malen beginnen, stellen Sie sicher, dass Sie alle notwendigen Materialien zur Hand haben. Dazu gehören:

• Vorgedruckte Leinwand: Ihre Leinwand wird mit den nummerierten Feldern und oft auch mit einer leichten Konturzeichnung geliefert, die das Malen erleichtert.
• Farben: In der Regel wird ein Set von Acrylfarben mitgeliefert, das genau auf die Nummern auf Ihrer Leinwand abgestimmt ist.
• Pinsel: Verschiedene Größen von Pinseln, um sowohl große Flächen effizient ausmalen als auch feine Details präzise gestalten zu können.
• Palette oder Mischfläche: Zum Mischen der Farben, falls erforderlich.
• Wasserbehälter und Tücher: Für die Reinigung Ihrer Pinsel zwischen den Farbwechseln.

Schritt 4: Malprozess beginnen

Beginnen Sie mit den größeren und einfacheren Flächen und arbeiten Sie sich zu den detaillierteren und kleineren Bereichen vor. Dies erleichtert die Handhabung der Pinsel und minimiert Fehler. Folgen Sie der Nummerierung auf der Leinwand und verwenden Sie die entsprechenden Farben. Nehmen Sie sich Zeit und achten Sie darauf, dass jede Fläche sorgfältig und ohne Übermalen der Linien ausgefüllt wird.

Schritt 5: Details und Finishing-Touches

Sobald alle Hauptbereiche ausgefüllt sind, konzentrieren Sie sich auf die Details. Dies kann das Hinzufügen von Schattierungen, das Ausbessern von kleinen Fehlern oder das Nachzeichnen von Konturen umfassen, um Ihrem Bild mehr Tiefe und Klarheit zu verleihen. Überprüfen Sie das gesamte Bild auf eventuelle Lücken oder ungleichmäßige Stellen und korrigieren Sie diese.

Schritt 6: Trocknen und Ausstellen

Nachdem Sie das Gemälde fertiggestellt haben, lassen Sie es vollständig trocknen. Dies kann je nach Dicke der Farbschichten einige Stunden bis zu einem Tag dauern. Sobald Ihr Kunstwerk trocken ist, können Sie es rahmen lassen oder direkt aufhängen. So wird Ihr persönliches Foto zu einem echten Kunstwerk, das Sie stolz präsentieren können.

Dieser Prozess nicht nur eine kreative Herausforderung, sondern auch eine tiefgehende Möglichkeit, sich mit persönlichen Erinnerungen auseinanderzusetzen und diese in etwas Bleibendes zu verwandeln. Jeder Schritt von der Auswahl des Fotos bis zum abschließenden Ausstellen des Gemäldes ist eine Gelegenheit, Ihre Verbindung zur Kunst zu vertiefen und Ihr Zuhause mit individuellen Werken zu bereichern.

Die richtigen Materialien für Ihr Projekt

Die Auswahl der richtigen Materialien ist entscheidend für das Endresultat Ihres Kunstprojekts. Die Qualität der Leinwand, die Klarheit der nummerierten Abschnitte und die Deckkraft der Farben spielen eine große Rolle in der Gesamtästhetik des fertigen Gemäldes. Hochwertige Leinwände und professionelle Acrylfarben können den Unterschied zwischen einem Amateur- und einem professionell aussehenden Ergebnis ausmachen.

Neben der Leinwand und den Farben ist auch das richtige Pinselset wichtig. Verschiedene Größen und Formen von Pinseln ermöglichen eine präzisere Farbauftragung und helfen dabei, auch feine Details effektiv umzusetzen. Ein gutes Pinselset sollte eine Mischung aus feinen Spitzen für kleine Bereiche und breiteren Pinseln für größere Flächen bieten.

Innovative Ideen für Malprojekte mit eigenen Bildern

Es gibt unzählige Möglichkeiten, wie Sie Ihre Fotos in Malen-nach-Zahlen-Projekte verwandeln können. Ob Porträts von Lieben, Landschaftsbilder aus dem letzten Urlaub oder sogar abstrakte Kompositionen aus eigenen Fotografien – die Optionen sind so einzigartig wie Ihre eigenen kreativen Ideen. Hier einige Vorschläge, wie Sie Ihre Projekte gestalten können:

• Porträt eines geliebten Menschen: Verwandeln Sie ein bedeutendes Foto von jemandem, den Sie lieben, in ein Gemälde, das als wertvolles Geschenk dienen kann.
• Landschaften und Naturbilder: Nehmen Sie die Schönheit der Natur auf und verwandeln Sie sie in ein Kunstwerk, das jede Wand schmückt.
• Abstrakte Kunst: Experimentieren Sie mit Farben und Formen, indem Sie Ihre Fotos digital verändern und sie dann als Malen-nach-Zahlen-Projekt umsetzen.

Neben diesen Ideen können Sie auch Techniken wie das Mischen von Farben direkt auf der Leinwand oder das Hinzufügen von Texturen mit speziellen Werkzeugen erkunden, um Ihr Kunstwerk noch interessanter zu machen.

Weiterführende Tipps und Tricks für erfahrene Maler

Für diejenigen, die ihre Fähigkeiten im Malen nach Zahlen weiter verbessern möchten, gibt es fortgeschrittene Techniken, die man meistern kann. Diese beinhalten das Schichten von Farben, das Erzeugen von Licht- und Schatteneffekten und das Verwenden von Glasuren, um Tiefe und Realismus in den Gemälden zu erzielen. Fortgeschrittene Maler können auch lernen, wie man eigene Farben mischt, um eine größere Vielfalt und Personalisierung in ihren Werken zu erreichen.

Einer der besten Tipps für erfahrene Maler ist es, sich nicht strikt an die vorgegebenen Farben und Zahlen zu halten. Experimentieren Sie mit verschiedenen Tönungen und Schattierungen, um Ihren Bildern ein einzigartiges Flair zu verleihen. Auch die Verwendung von qualitativ hochwertigeren Farben als die, die im Kit enthalten sind, kann zu beeindruckenderen und dauerhafteren Ergebnissen führen.

Malen nach Zahlen für Erwachsene: Eine kreative Flucht aus dem Alltag

Das Malen nach Zahlen für Erwachsene ist mehr als nur ein entspannendes Hobby; es ist eine kreative Flucht, die es ermöglicht, dem Alltagsstress zu entfliehen und gleichzeitig die eigene Kunstfertigkeit zu verbessern. In einer Zeit, in der digitale Medien unseren Alltag dominieren, bietet das Malen eine seltene Gelegenheit, sich auf eine ruhige, meditative Tätigkeit zu konzentrieren, die sowohl die Feinmotorik als auch das kognitive Denken fördert.

Erwachsene schätzen besonders die Möglichkeit, über das Ausfüllen von nummerierten Feldern auf einer Leinwand, komplexe Bilder zu gestalten, die sowohl technisch als auch emotional befriedigend sind. Das Malen nach Zahlen kann therapeutisch wirken, da es hilft, Ängste zu reduzieren und das allgemeine Wohlbefinden zu steigern. Indem man Farbe für Farbe aufträgt, sieht man, wie aus einem chaotischen Durcheinander von Zahlen und Linien langsam ein erkennbares und schönes Bild entsteht.

Dieser Prozess ist nicht nur entspannend, sondern endet auch mit einem selbst erstellten Kunstwerk, das stolz zu Hause oder im Büro ausgestellt werden kann. Die Fertigstellung eines solchen Projekts gibt ein starkes Gefühl der Zufriedenheit und des Stolzes und kann als wunderbare Erinnerung dienen, die man selbst erschaffen hat. Malen nach Zahlen für Erwachsene ist daher eine lohnende Investition in die eigene geistige Gesundheit und kreative Entwicklung.

Fazit

Malen nach Zahlen für Erwachsene bietet eine einzigartige Gelegenheit, künstlerische Fähigkeiten zu entwickeln, während man gleichzeitig ein persönliches Meisterwerk erschafft. Diese Aktivität bietet nicht nur eine kreative Pause vom hektischen Alltag, sondern fördert auch das psychische Wohlbefinden durch Stressabbau und die Steigerung der Konzentration. Es ist eine therapeutische Praxis, die die kreative Ader fördert und dabei hilft, persönliche und emotionale Erfahrungen in beeindruckenden Kunstwerken zu verewigen.

Durch die Verwendung eigener Fotos in Malprojekten wird jeder zum Künstler seines Lebens, indem er unvergessliche Momente auf Leinwand bannt. Diese Projekte bieten nicht nur eine Rückkehr zur handwerklichen Kreativität, sondern erlauben es auch, persönliche Erinnerungen in einer tiefgreifenden und künstlerischen Weise festzuhalten. Abschließend ist Malen nach Zahlen eine bereichernde Erfahrung, die jedem Erwachsenen empfohlen werden kann, der nach einer sinnvollen, entspannenden und gleichzeitig kreativen Tätigkeit sucht.

Straßenkunst, oft als Street-Art bezeichnet, hat sich in den letzten Jahrzehnten zu einer der bedeutendsten und vielseitigsten Kunstformen der modernen Welt entwickelt. Was einst als rebellische Ausdrucksform in den städtischen Untergrundszenen begann, hat sich inzwischen in den Mainstream der Kunstwelt eingegliedert und prägt heute das urbane Landschaftsbild vieler Städte weltweit. Straßenkunst ist mehr als nur Farbe auf Beton – sie ist ein Spiegelbild gesellschaftlicher Strömungen, politischer Meinungen und kultureller Identität. Dieser Artikel lädt dazu ein, die faszinierende Welt der Straßenkunst zu entdecken, ihre Ursprünge zu verstehen und ihre Bedeutung für die moderne Gesellschaft zu erkennen.

Die Ursprünge der Straßenkunst: Von Graffiti zu Urban Art

Die Geschichte der Straßenkunst ist tief in den urbanen Subkulturen verwurzelt, insbesondere in den Bewegungen der 1970er Jahre in Städten wie New York und Philadelphia. Graffiti, als eine der ersten Formen der Straßenkunst, entstand in den ärmeren Stadtteilen als Mittel des Selbstausdrucks und der Rebellion gegen das Establishment. Jugendliche, oft aus marginalisierten Gemeinschaften, nutzten Graffiti, um ihre Identität in einer Gesellschaft zu behaupten, die sie oft übersehen oder unterdrückt hatte. Mit simplen Tags, komplexen Schriftzügen und auffälligen Wandgemälden setzten sie ihre Spuren in der urbanen Landschaft.

Im Laufe der Jahre entwickelte sich Graffiti weiter und wurde komplexer, sowohl in technischer als auch in thematischer Hinsicht. Künstler begannen, soziale und politische Botschaften in ihre Werke zu integrieren, und die Kunstform gewann an Bedeutung und Anerkennung. Was einst als Vandalismus angesehen wurde, wurde zunehmend als legitime Kunstform wahrgenommen, insbesondere als Künstler begannen, ihre Arbeiten auf Leinwände und in Galerien zu bringen. Diese Entwicklung führte zur Entstehung der breiter gefassten Kategorie “Urban Art”, die neben Graffiti auch andere Formen der Straßenkunst umfasst, wie zum Beispiel Schablonenkunst, Plakatkunst und großformatige Wandgemälde.

Die Rolle von MUCA (Museum of Urban and Contemporary Art) in München in der Förderung der Straßenkunst

Das MUCA – Münchens führendes Street-Art-Museum hat eine zentrale Rolle bei der Förderung und Präsentation der Straßenkunst gespielt. Als eines der ersten Museen weltweit, das sich ausschließlich der Urban Art widmet, hat das MUCA es sich zur Aufgabe gemacht, die vielfältigen Ausdrucksformen dieser Kunst zu würdigen und einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Das Museum bietet nicht nur Ausstellungen internationaler Künstler, sondern auch eine Plattform für aufstrebende Talente, die ihre Werke der Öffentlichkeit präsentieren können.

Im MUCA wird deutlich, dass Straßenkunst weit mehr ist als nur eine flüchtige Ausdrucksform – sie ist eine ernstzunehmende Kunstbewegung, die sowohl inhaltlich als auch ästhetisch tiefgründig ist. Das Museum leistet einen wichtigen Beitrag dazu, die Relevanz und die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst zu verdeutlichen, indem es diese Kunstform aus den Straßen in die musealen Räume holt, ohne dabei ihre Wurzeln und ihre Authentizität zu verlieren.

“Straßenkunst ist mehr als nur Farbe auf Wänden – sie ist ein Spiegelbild unserer Gesellschaft und eine Stimme für diejenigen, die oft ungehört bleiben.”

Die Ausstellung im MUCA zeigt, wie Straßenkunst als Medium genutzt wird, um soziale Ungerechtigkeiten, politische Konflikte und kulturelle Themen zu thematisieren. Die Werke regen zum Nachdenken an und eröffnen neue Perspektiven auf die Welt, in der wir leben. Künstler wie Banksy, Shepard Fairey und JR haben durch ihre Arbeiten internationale Anerkennung erlangt und gezeigt, dass Straßenkunst eine kraftvolle Stimme für gesellschaftliche Veränderungen sein kann.

Die verschiedenen Stilrichtungen der Straßenkunst und ihre kulturelle Bedeutung

Die Vielfalt der Straßenkunst ist so groß wie die Kulturen, aus denen sie hervorgeht. Von den simplen, aber aussagekräftigen Schablonenarbeiten eines Blek le Rat bis hin zu den komplexen Wandgemälden von Künstlern wie Os Gemeos oder Eduardo Kobra – die Bandbreite der Stilrichtungen in der Straßenkunst ist beeindruckend. Jede dieser Stilrichtungen trägt eine eigene kulturelle Botschaft und reflektiert die Einflüsse der Umgebung, in der sie entsteht.

Ein besonders prägnantes Beispiel für die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst ist die Schablonenkunst, die durch ihre Präzision und Wiederholbarkeit auffällt. Sie wird oft genutzt, um starke, provokative Botschaften zu verbreiten, die leicht reproduziert werden können. Diese Kunstform hat ihren Ursprung in den politischen Bewegungen Frankreichs und hat sich seitdem weltweit verbreitet. Ein weiteres Beispiel ist die großformatige Wandmalerei, die oft in südamerikanischen Ländern wie Brasilien und Mexiko zu finden ist. Diese Werke sind tief in den Traditionen und Geschichten der jeweiligen Regionen verwurzelt und bringen die kulturelle Identität der Gemeinschaften, in denen sie entstehen, auf beeindruckende Weise zum Ausdruck.

Die kulturelle Bedeutung der Straßenkunst zeigt sich auch in ihrer Rolle als Plattform für soziale und politische Kommentare. Künstler nutzen die Öffentlichkeit als Leinwand, um ihre Ansichten zu Themen wie Armut, Rassismus, Umweltzerstörung und Menschenrechten auszudrücken. In vielen Fällen dienen diese Werke als Katalysator für Diskussionen und als Werkzeug für soziale Veränderungen. Die Straßenkunst schafft so einen Raum, in dem gesellschaftliche Themen sichtbar gemacht und zur Debatte gestellt werden können.

Die wirtschaftlichen und sozialen Auswirkungen der Straßenkunst auf urbane Räume

Straßenkunst hat nicht nur eine ästhetische, sondern auch eine tiefgreifende wirtschaftliche und soziale Wirkung auf die Städte, in denen sie präsent ist. In vielen Fällen trägt Straßenkunst zur Aufwertung von Stadtvierteln bei, die zuvor als vernachlässigt galten. Durch die Schaffung von Kunstwerken im öffentlichen Raum werden diese Gebiete attraktiver für Bewohner, Touristen und Investoren, was zu einer positiven wirtschaftlichen Entwicklung führt.

Ein bemerkenswertes Beispiel hierfür ist die Entwicklung des Viertels Wynwood in Miami, das einst ein heruntergekommenes Industriegebiet war. Durch die gezielte Förderung von Straßenkunst und die Errichtung von Kunstmauern, den sogenannten “Wynwood Walls”, hat sich das Viertel in ein kulturelles Zentrum und eine Touristenattraktion verwandelt. Die Straßenkunst hat dazu beigetragen, dass neue Unternehmen und Galerien in das Gebiet gezogen sind, was wiederum die lokale Wirtschaft belebt hat.

Straßenkunst kann auch eine integrative Wirkung auf die Gemeinschaften haben, in denen sie entsteht. Indem sie den öffentlichen Raum verschönert und ihn für alle zugänglich macht, fördert sie den sozialen Zusammenhalt und das Gemeinschaftsgefühl. In vielen Städten haben sich Street-Art-Festivals etabliert, bei denen Künstler aus aller Welt zusammenkommen, um gemeinsam Kunstwerke zu schaffen. Diese Events ziehen nicht nur Kunstliebhaber an, sondern auch Menschen, die sich zuvor nicht für Kunst interessiert haben. So wird Straßenkunst zu einem Mittel, das die Menschen zusammenbringt und den Dialog zwischen verschiedenen gesellschaftlichen Gruppen fördert.

Die Zukunft der Straßenkunst: Nachhaltigkeit und digitale Transformation

Mit dem zunehmenden Bewusstsein für Umweltfragen und der digitalen Revolution steht auch die Straßenkunst vor neuen Herausforderungen und Möglichkeiten. Nachhaltigkeit wird ein immer wichtigeres Thema, und viele Künstler suchen nach umweltfreundlichen Materialien und Techniken, um ihre Werke zu schaffen. Einige haben begonnen, recycelte Materialien zu verwenden oder umweltfreundliche Farben zu entwickeln, die die Umwelt weniger belasten.

Ein weiteres spannendes Feld ist die digitale Transformation der Straßenkunst. Mit der Verbreitung von Smartphones und sozialen Medien haben Straßenkünstler die Möglichkeit, ihre Werke einem globalen Publikum zugänglich zu machen. Virtuelle Realität (VR) und Augmented Reality (AR) bieten neue Wege, Kunstwerke zu erleben und zu interagieren. Einige Künstler experimentieren bereits mit digitalen Installationen, die in Echtzeit verändert werden können oder mit der Umgebung interagieren.

Die Digitalisierung eröffnet der Straßenkunst ungeahnte Möglichkeiten, den öffentlichen Raum neu zu gestalten und Kunst für alle zugänglich zu machen.

Diese Entwicklung stellt jedoch auch eine Herausforderung dar, da sie die traditionelle Vorstellung von Straßenkunst als flüchtige, vergängliche Kunstform infrage stellt. Die Balance zwischen Erhalt und Veränderung, zwischen analoger und digitaler Kunst, wird entscheidend sein für die Zukunft der Straßenkunst. Wie diese Zukunft genau aussehen wird, bleibt abzuwarten, doch eines ist sicher: Straßenkunst wird weiterhin eine dynamische und relevante Ausdrucksform bleiben, die sich ständig weiterentwickelt und an die Veränderungen der Gesellschaft anpasst.

Die bleibende Bedeutung der Straßenkunst

Straßenkunst hat sich von einer subversiven Ausdrucksform zu einer weltweit anerkannten Kunstbewegung entwickelt, die sowohl ästhetisch als auch gesellschaftlich bedeutend ist. Sie bereichert urbane Räume, fördert den sozialen Dialog und trägt zur wirtschaftlichen Entwicklung bei. Museen wie das MUCA – Münchens führendes Street-Art-Museum spielen eine entscheidende Rolle bei der Anerkennung und Förderung dieser Kunstform, indem sie ihre kulturelle Relevanz hervorheben und einem breiteren Publikum zugänglich machen.

Die Zukunft der Straßenkunst wird durch den Balanceakt zwischen Nachhaltigkeit und digitaler Innovation geprägt sein. Während Künstler nach umweltfreundlichen Lösungen suchen und neue Technologien erkunden, bleibt die Essenz der Straßenkunst – der unmittelbare öffentliche Ausdruck – bestehen. Diese Kunstform wird weiterhin als Spiegel unserer Gesellschaft dienen, aktuelle Themen aufgreifen und den urbanen Raum auf kreative Weise gestalten.

Straßenkunst ist mehr als nur ein visuelles Erlebnis; sie ist ein kulturelles Phänomen, das die Macht hat, Menschen zu inspirieren, zu verbinden und zum Nachdenken anzuregen. Ihre Bedeutung wird in einer zunehmend globalisierten und digitalisierten Welt nur noch wachsen.

Blumen sind weit mehr als nur hübsche Dekorationen – sie sind eine Quelle der Inspiration und Kreativität. Ein Herbarium, eine Sammlung getrockneter Pflanzen, bietet eine einzigartige Möglichkeit, die Vielfalt und Schönheit der Blumenwelt zu entdecken und sich von ihr inspirieren zu lassen. Wenn Sie einen Blumenstrauß oder Trockenblumen für DIY brauchen, können Sie mit dem Online-Blumenversand MyGlobalFlowers Blumen liefern lassen und sich selbst eine Freude bereiten.

Die Bedeutung eines Herbariums

Ein Herbarium ist weit mehr als nur eine Sammlung getrockneter Blumen. Es ist ein wertvolles Werkzeug für:

• Botaniker, die Pflanzen klassifizieren und studieren.
• Künstler, die nach natürlicher Inspiration suchen.
• Naturbegeisterte, die die Vielfalt der Flora schätzen.
• Historiker, die die Pflanzenwelt vergangener Zeiten erforschen.

Durch die systematische Sammlung und Dokumentation von Pflanzen ermöglicht ein Herbarium die Erforschung der Pflanzenwelt in all ihrer Vielfalt. Jede getrocknete Blume erzählt eine eigene Geschichte und kann als Inspirationsquelle für kreative Projekte dienen.

Kreativität durch Blumen entdecken

Blumen sind seit jeher eine Quelle der Inspiration für Künstler und Kreative. Die Farben, Formen und Strukturen der Blumenwelt bieten unendliche Möglichkeiten für kreative Ausdrucksformen. Ein Herbarium ermöglicht es, diese Vielfalt auf eine neue Weise zu erleben. Durch das Studieren und Arrangieren getrockneter Blumen können Sie neue Ideen und Perspektiven für Ihre eigenen kreativen Projekte gewinnen.

Die Schönheit der Formen

Die Formen der Blumen sind faszinierend und vielfältig. Von den symmetrischen Blütenblättern der Gänseblümchen bis zu den komplizierten Mustern der Orchideen – jede Blume hat ihre eigene einzigartige Struktur. Ein Herbarium bietet die Möglichkeit, diese Formen im Detail zu betrachten und als Grundlage für künstlerische Arbeiten zu nutzen.

Farbvielfalt und Kontraste

Die Farben der Blumen sind lebendig und ausdrucksstark. In einem Herbarium können Sie die verschiedenen Farbtöne und Kontraste der getrockneten Blumen studieren. Diese Farben können als Inspiration für Malerei, Design und andere kreative Projekte dienen. Die Kombination von Farben aus der Natur kann helfen, harmonische und ästhetisch ansprechende Werke zu schaffen.

Texturen und Muster

Die Texturen und Muster der Blumenblätter und -stiele bieten eine weitere Ebene der Inspiration. Die feinen Adern eines Blütenblatts oder die rauen Oberflächen eines Blütenstiels können als Vorlage für Textildesigns, Skulpturen oder andere kunsthandwerkliche Projekte dienen. Ein Herbarium ermöglicht es, diese Texturen im Detail zu erkunden.

Bedeutung und Symbolik

Blumen haben in verschiedenen Kulturen und Zeiten unterschiedliche Bedeutungen und Symboliken. Das Studium eines Herbariums kann helfen, diese kulturellen Bedeutungen zu verstehen und in kreative Arbeiten zu integrieren. Ob als Symbol der Liebe, der Trauer oder der Freude – Blumen können tiefere Bedeutungen in Ihre Kunstwerke bringen.

Historische Perspektive

Ein Herbarium bietet auch einen historischen Blick auf die Pflanzenwelt. Die in einem Herbarium enthaltenen Blumen können aus verschiedenen Epochen und Regionen stammen, was eine Reise durch die Zeit und die Geschichte der Botanik ermöglicht. Diese historische Perspektive kann als Inspiration für kreative Projekte dienen, die die Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart erforschen.

Anwendung in der modernen Floristik

Die Erkenntnisse und Inspirationen aus einem Herbarium können direkt in die moderne Floristik einfließen. Floristen können getrocknete Blumen in ihre Arrangements integrieren, um neue und innovative Designs zu schaffen. Die Kombination von frischen und getrockneten Blumen kann interessante Kontraste und Texturen erzeugen, die jedes Blumenarrangement einzigartig machen.

DIY-Projekte mit Herbarium-Blumen

Ein Herbarium bietet auch zahlreiche Möglichkeiten für DIY-Projekte.

• Grußkarten. Verleihen Sie selbstgemachten Karten mit getrockneten Blumen eine persönliche Note.
• Gestalten Sie dekorative Rahmen mit kunstvoll arrangierten Herbariumsblumen.
• Kreieren Sie einzigartige Anhänger oder Ohrringe mit getrockneten Blüten.
• Erstellen Sie florale Kunstwerke für Ihre Wände.
• Verzieren Sie Geschenke mit natürlichen Akzenten aus dem Herbarium.

Ein Herbarium ist eine wertvolle Inspirationsquelle für alle, die sich für Blumen und Kreativität interessieren. Es bietet die Möglichkeit, die Vielfalt und Schönheit der Pflanzenwelt auf eine neue Weise zu entdecken und in kreative Projekte zu integrieren. Ob als Künstler, Florist oder Hobbybastler – lassen Sie sich von einem Herbarium inspirieren und entdecken Sie die unendlichen Möglichkeiten, die Blumen zu bieten haben.

Der Wohnraum lässt sich auf vielfältige Weise dekorieren. Ob mit der richtigen Beleuchtung, Farbakzenten oder eben verschiedenen Kunstwerken. Die Nachfrage auf dem Kunstmarkt ist in den letzten Jahren wieder deutlich gestiegen. Hier sind es vor allem moderne und aufregende Werke von jungen und aufstrebenden Künstlern, die besonders beliebt sind. Im Internet finden sich mittlerweile zahlreiche Kunstwerke aus Kunstgalerien oder Ateliers, die zum Verkauf stehen. Um bei der Vielzahl der Gemälde und Malereien die richtige Wahl zu treffen, haben wir Ihnen hier einen Ratgeber entworfen.

Zugegeben, es ist gar nicht so einfach, das perfekte Gemälde für die eigenen vier Wände zu finden. So sollte sich ein Kunstwerk im Idealfall auch immer harmonisch in die Innenraumgestaltung einfügen. Demnach kommt es bei der Wahl von Kunst für das eigene Zuhause auf ein paar wichtige Faktoren an. Denn für viele Menschen sind Kunstwerke viel mehr als nur ein dekoratives Objekt, sondern auch eine Wertanlage.

Viele der Kunstwerke sind auf dem Markt besonders beliebt, zudem haben es junge Künstler geschafft, sich innerhalb weniger Jahren einen Namen auf dem internationalen Kunstmarkt zu machen. Wer heute hochwertige Kunst kaufen möchte, sollte sich daher auch hinsichtlich des Potenzials des Künstlers und der Wertentwicklung erkundigen. Längst nicht alle dekorativen und schönen Gemälde schaffen es tatsächlich für einen gewaltigen Sprung bei der Wertsteigerung zu sorgen. Um hier den richtigen Griff zu tätigen, muss man sich in der Kunstszene etwas auskennen. Jedoch reicht es auch vielen Menschen ein Kunstwerk lediglich nach seiner Schönheit und Anziehungskraft auszuwählen.

Die Wahl auf das richtige Kunstwerk sollte demnach gut überlegt werden. Um das richtige Kunstwerk für die eigenen vier Wände zu finden, haben wir Ihnen hier einige hilfreiche Tipps zusammengefügt.

Junge Künstler stehen für moderne und frische Kunstwerke

Besonders aufstrebende Kunsttalente und Kunststudenten sorgen immer wieder für erfrischende und moderne Neuerscheinung auf dem Kunstmarkt. Dabei schaffen es die sehr talentierten Künstler sogar eher langweilige Themen der Malereien zeitgenössisch und ansprechend zu präsentieren. So sind es auch Landschaftsgemälde von Kunststudenten derzeit sehr beliebt. Die Gemälde mit einer großen Tiefe eignen sich perfekt für verschiedene Wohnräume wie Wohnzimmer, Esszimmer oder Schlafzimmer. Je nach dem Stil des Künstlers gelingt es hier für einen echten Hingucker in den eigenen vier Wänden zu sorgen.

Kombination aus Mobiliar und Kunst harmonisch abstimmen

Die Künstlerpinsel für Profis in Verbindung mit ausreichend Talent erzeugen sehr ausgefallen und beeindruckende Werke. Um das perfekte Bild für die eigenen vier Wände zu finden, gilt es allerdings darauf zu achten, dass die Inneneinrichtung und ein Kunstwerk gut zueinanderpassen. So können sowohl ähnliche Farbenspiele und Stilrichtungen, als auch gegensätzliche Akzente den Wohncharakter enorm aufwerten.

Das richtige Arrangement von Kunstwerken finden

Hat man sich erst einmal für die passenden Kunstwerke entschieden, heißt es den richtigen Platz zu finden. Dabei sollte Kunst möglichst so präsentiert werden, dass es nicht von anderen Objekten der Raumgestaltung abgelenkt wird. Auch die Ausleuchtung der Gemälde kann ein Kunstwerk erst richtig Szene setzen und den Fokus in den eigenen vier Wänden auf ein Kunstobjekt werfen. Die richtige Positionierung von Gemälden sollte also sorgfältig durchdacht werden.

In einer Welt, die oft von Hektik und digitaler Überflutung geprägt ist, kann Kunst ein heilsames Gegengewicht bieten. Sie bereichert unser Leben, fördert die Kreativität und schärft unseren Sinn für Schönheit und Empathie. Doch wie lässt sich Kunst in den Alltag integrieren, besonders für diejenigen, die sich nicht als traditionelle Kunstkenner sehen? In diesem Artikel entdecken wir verschiedene Wege, Kunst zu einem festen Bestandteil unseres täglichen Lebens zu machen und zeigen, wie Lieblingsart Malen nach Zahlen einen einfachen und zugänglichen Einstieg in die Welt der Kunst bieten kann.

Kunst im Wohnraum

Beginnen wir mit dem offensichtlichsten Ort: unserem Zuhause. Kunstwerke an den Wänden zu haben, ist eine der einfachsten Methoden, um Kunst in den Alltag zu integrieren. Doch es geht nicht nur darum, Bilder aufzuhängen. Es geht um die bewusste Auswahl von Werken, die persönliche Bedeutung haben oder eine bestimmte Stimmung erzeugen. Experimentieren Sie mit verschiedenen Stilen und Formaten, um zu sehen, was am besten zu Ihrem Raum und Ihrem Geschmack passt.

Kreative Routinen etablieren

Kunst muss nicht auf die Betrachtung beschränkt sein. Sie selbst kreativ zu werden, kann eine unglaublich bereichernde Erfahrung sein. Etablieren Sie eine kreative Routine, sei es durch Zeichnen, Malen oder sogar digitale Kunst. Nehmen Sie sich jeden Tag oder jede Woche ein wenig Zeit, um etwas zu erschaffen, ohne sich um das Endergebnis zu sorgen. Der Prozess selbst ist wertvoll und fördert Ihre kreative Denkweise.

Kunst in der Gemeinschaft

Kunst kann auch ein soziales Erlebnis sein. Besuchen Sie lokale Kunstgalerien, Museen oder Kunsthandwerksmärkte. Nehmen Sie an Workshops oder offenen Kunstklassen teil, um Gleichgesinnte zu treffen und von anderen zu lernen. Gemeinschaftliche Kunstprojekte, wie die Gestaltung eines Gemeinschaftsgartens oder eines Wandgemäldes, stärken nicht nur das lokale Kulturerbe, sondern fördern auch den Zusammenhalt.

Digitale Kunstwelten erkunden

Die digitale Welt bietet unendliche Möglichkeiten, Kunst zu entdecken und zu schaffen. Von virtuellen Museumstouren über Online-Kunstkurse bis hin zu Apps, die kreatives Schaffen fördern – nutzen Sie die Technologie, um Ihre künstlerischen Horizonte zu erweitern. Digitale Plattformen bieten zudem eine Bühne für aufstrebende Künstler, deren Arbeiten Sie entdecken und unterstützen können.

Kunst im Alltag

Kunst muss nicht auf traditionelle Formate beschränkt bleiben. Sie kann in alltäglichen Gegenständen gefunden werden, von der Gestaltung Ihres Notizbuchs bis hin zu kunstvoll designten Gebrauchsgegenständen. Achten Sie auf die kleinen Details und lassen Sie sich von der Ästhetik der Dinge um Sie herum inspirieren.

Lieblingsart Malen nach Zahlen

Für diejenigen, die einen unkomplizierten Zugang zur Welt der Kunst suchen, bietet Lieblingsart Malen nach Zahlen eine wunderbare Möglichkeit. Diese Malsets ermöglichen es Ihnen, ohne Vorkenntnisse beeindruckende Kunstwerke zu schaffen. Es ist eine meditative Aktivität, die nicht nur Ihre kreative Ader fördert, sondern auch Stress abbaut und zu einem Moment der Ruhe im hektischen Alltag beitragen kann.

Fazit

Kunst im Alltag zu integrieren bedeutet, einen Raum für Schönheit, Kreativität und Reflexion in unserem Leben zu schaffen. Es geht darum, die Welt mit offenen Augen zu betrachten und die kreativen Möglichkeiten in allem zu erkennen. Ob durch das Aufhängen eines Gemäldes, das Schaffen eigener Kunstwerke oder das Teilen von Erlebnissen mit der Gemeinschaft – Kunst bereichert unser Leben auf unzählige Weise. Lassen Sie sich von Lieblingsart Malen nach Zahlen inspirieren und entdecken Sie die Freude am kreativen Ausdruck. Kunst ist für alle da, und jeder Moment ist eine Gelegenheit, sie in unser Leben einzuladen.

Ralf Lürig ist Künstler und achtfacher Familienvater. Seine Kinder sind eine Inspirationsquelle für seine humorvollen und fantasievollen Bilder. Lürig möchte durch seine Kunst den Menschen Freude und Beschaulichkeit schenken. Wie er Kunst und Familienleben unter einen Hut bekommt, erzählt er im Interview.

Lieber Herr Lürig, Sie arbeiten als Künstler und sind gleichzeitig achtfacher Familienvater. Wie bekommt man das alles unter einen Hut?

Beide Themen, Künstler zu sein und Vater einer großen Familie, sind eine Frage der Berufung und der Leidenschaft. Man wächst in beide Aufgaben hinein. Die Kinder kommen nach und nach und man organisiert sich stets neu, überdenkt die Situation, verbessert Dinge und so spielt sich die Familie aufeinander ein. Klar ist, wenn man als Paar kein gut funktionierendes Team ist, dann geht das nicht. Meine Frau unterstützt mich in allen künstlerischen Fragen und nimmt mir viel ab, was zum Beispiel Kundengespräche, Büroarbeit, Organisation, Ausstellungsplanung etc. anbelangt. Dafür helfe ich in der Familie mit, koche viel, kaufe ein und habe feste Aufgabenbereiche im Haushalt.

Die Kinder helfen beim Haushalt, mit den jüngeren Geschwistern und den Arbeiten im Internet (Homepage, Shop, Fotobearbeitung, etc.) super mit! Auch unsere baldige Schwiegertochter passt da sehr gut zu uns und ist eine tolle Kraft!

Während meiner Zeit als Kirchenmaler war ich nur am Wochenende Zuhause. Das war natürlich für alle eine große Belastung. Andererseits konnte ich als Künstler viele Erfahrungen machen und Projekte verwirklichen, von denen andere nur träumen. Doch auch solche Zeiten übersteht man und wagt dann neue Wege, die auch wieder spannend sind. Ohne risikofreudig zu sein, braucht man weder als Künstler noch als achtfacher Vater anzufangen!

“Ich schenke Menschen mit meiner Kunst ein Stück Beschaulichkeit, Poesie und Freude.”

Inwiefern sind Ihre Kinder eine Inspirationsquelle für Ihre großartigen, fantasievollen und liebevollen Bilder?

Wir führen ein sehr heiteres und turbulentes Familienleben (eigenes Familien-Ensemble mit Konzerten, ungewöhnliche, aufwendige Familienfeiern, diskussionsfreudige Runden, viele Gäste, …) Durch diese Fülle an spannenden Momenten ergeben sich ständig Situationen, die mich inspirieren: durch lustige Vorkommnisse, Sprüche der Kinder, Komik am Esstisch, Spielzeug etc.

Ihre Bilder zeigen skurrile Szenen, mal witzig, mal tiefsinnig und sehr poetisch. Rauchende Fische, einen Mann auf einer Pusteblume oder Schuhe aus Bananenschalen. Was treibt Sie an in Ihrer Kunst?

In einer Zeit, die doch für viele sehr unruhig ist und sorgenvoll, möchte ich mit meiner Kunst den Menschen ein Stück Beschaulichkeit, Poesie und Freude schenken. Das Heitere ist ein Teil meiner Persönlichkeit und eine nicht zu unterschätzende Kraftquelle. Wenn ich durch meine Bilder diese Saiten bei anderen Menschen zum Schwingen bringe, dann ist das wunderbar und erfüllend.

Wann sind Sie zufrieden mit einem Kunstwerk? Wer sind die schärfsten Kritiker: Sie selbst, Ihre Frau oder Ihre Kinder?

Wenn meiner Frau das Bild gefällt und sie es nicht verkaufen mag, dann ist es gut geworden!
Während ich selbst mein schärfster Kritiker bin, ist meine Frau meine beste Kritikerin, denn sie baut mich auf, übt konstruktive Kritik und sieht Dinge aus einer anderen Perspektive. Wir sitzen oft zusammen vor den Gemälden, die in Arbeit sind und überlegen gemeinsam, was zu verbessern ist.

Sie sind in einem Geschäft für Modellbau und Künstlerbedarf groß geworden. Konnten Sie sich je etwas anderes vorstellen, als Künstler zu werden? Und wie haben Sie es geschafft von ihrer Kunst zu leben?

Es war mir von Anfang an klar, dass ich in einer kreativen, künstlerischen Arbeit wirken wollte. Allerdings hat es einige Jahre gedauert, bis ich meinen Weg gefunden hatte. Ich habe erst an der Staatsoper Hannover Bühnenmaler und Bühnenbildner gelernt, bis ich mich speziell auf die Malerei fokussiert habe. Nach einem Studium der klassischen Malerei und Grafik ging es dann gleich als Kirchenmaler weiter, später habe ich mein eigenes Atelier nebst Galerie eröffnet. Hinzu kam vor elf Jahren die intensive Zusammenarbeit mit den Aida-Kreuzfahrtschiffen, auf denen ich weltweit meine Bilder verkaufe. Man muss sehr flexibel sein, um von der Kunst leben zu können! Ich habe auch eine Kunstschule aufgebaut, Aufträge verschiedenster Bereiche angenommen, auf Messen vorgeführt, für Firmen gearbeitet, an Schulen Kunst unterrichtet und vor allem immer wieder Ausstellungen gemacht. Aber frei zu arbeiten ist natürlich das Schönste und in der Regel mache ich das jetzt auch. Es ist nicht leicht, von der Freiberuflichkeit zu leben und erfordert viel Gottvertrauen, Mut und Durchhaltevermögen! Aber etwas anderes war für mich nicht denkbar!

“Als Künstler ist man gelegentlich gezwungen Kompromisse zu finden”

Was würden Sie jungen Künstlerinnen und Künstlern empfehlen, die von ihrer Kunst leben wollen?

Jungen Künstlern rate ich, einerseits ihren persönlichen künstlerischen Ausdruck zu finden, aber andererseits über der Selbstverwirklichung nicht zu vergessen, dass es auch eine wirtschaftliche Seite gibt, wenn man davon existieren möchte. So ist man gelegentlich gezwungen Kompromisse zu finden. Diese Flexibilität ist oft erforderlich, kann jedoch im Optimalfall sogar neue, kreative Bereiche auftun.

Wo kann man ihre Kunst sehen und wo kann man sie erwerben?

Meine Kunst kann man bei mir im Atelier direkt sehen und erwerben: Atelier Lürig, Hauptstr. 3, 78267 Aach, dann auch auf unserer Homepage oder auf unserer etsy-Seite im Shop. Wir freuen uns sehr, über Kunstinteressierte, Sie können uns auch direkt anrufen (Telefon: 07774/3571279 oder 0172/6221096) oder eine Mail (ralf-luerig@outlook.com) schreiben!

Jan Olschewski findet, dass der Fliege zu Unrecht ein schlechter Ruf anhaftet und will mit seiner Kunst ein Bewusstsein für die Insektenwelt und insbesondere die Fliege schaffen. Was es mit “Transmutations” auf sich hat und warum man in Berlin seinen Fliegen über den Weg laufen könnte, erzählt er im Interview.

In Ihrer Kunst befassen Sie sich derzeit intensiv mit der Schnittmenge von Kunst und Insekten und speziell mit der Beziehung von Mensch und Fliege. In welcher Beziehung stehen Mensch und Fliege denn und wo setzen Sie da mit Ihrer Kunst an?

Die Beziehung von uns Menschen und der Welt der Fliegen – ich beziehe mich hier im Besonderen auf die Unterordnung der „Brachycera“, die neben den „Nematocera“ bzw. Mücken die Ordnung der „Diptera“ bzw. Zweiflügler bilden – ist überwiegend von Missachtung und Abscheu geprägt. Wenn wir davon ausgehen, dass unsere Kultur- und Kunstgeschichte ein Spiegelbild dafür ist, wie wir Menschen denken, fühlen und handeln, so lässt sich die schlechte Lobby der Fliegen hier sehr deutlich ablesen. Überall in unserer Kunst- und Kulturgeschichte gibt es Quellen und Hinweise darauf, was wir Menschen von den Fliegen halten und welchen Stellenwert sie für uns haben. Hier ein paar Beispiele:

Im antiken Griechenland gab es den Gott Myiagros, der die Aufgabe hatte Fliegen zu vertreiben. Interessanter Nebenaspekt: Erfolgreich schien er nicht gewesen zu sein, denn diese Aufgabe wurde schließlich dem Chef selbst, Zeus, übertragen. Ob dieser erfolgreicher war? Wer weiß. Bei meinem letzten Familienurlaub in Griechenland hat es jedenfalls nicht an Fliegen und Mücken gemangelt.

In der christlichen Kunst des Mittelalters und der Renaissance musste die Fliege als Sinnbild für Sterblichkeit, Sünde und Korruption herhalten. Das Wort Beelzebub übrigens soll das Auftreten des christlichen Teufels in Gestalt einer Fliege beschreiben. Gewissermaßen das manifestierte Böse und die Fliege in Personalunion.

Der Philosoph Arthur Schopenhauer schrieb (1851) in seinem Buch Parerga und Paralipomena: „Zum Symbol der Unverschämtheit und Dummdreistigkeit sollte man die Fliege nehmen. Denn während alle Thiere den Menschen über Alles scheuen und schon von ferne vor ihm fliehen, setzt sie sich ihm auf die Nase.“

Der Film Kurt Neumanns „The Fly“ aus den 50ern gefolgt von zwei Fortsetzungen und einem Remake von David Cronenberg 1986, sind bestimmt einigen ein Begriff. Die Fliege als Protagonistin im Science-Fiction-Horror-Genre. Wo sonst!

Damian Hirst nimmt in seinen umstrittenen Kunstinstallationen „A Hundred Years“ und „A Thousand Years“ den Tod der hauptdarstellenden Fliegen in Kauf.

Und so ließen sich noch viele solcher Beispiele nennen.

Mit meiner Kunst möchte ich genau hier ansetzen und gewissermaßen eine Gegenposition einnehmen. Bei mir ist die Fliege kein Sinnbild für etwas Schlechtes oder wird als abstraktes „Objekt“ benutzt. Meine Kunst soll die Fliege selbst in den Mittelpunkt stellen und sie als faszinierendes Mitlebewesen darstellen. Meine Kunst möchte die Fliege feiern!

“Indem ich Insekten eine künstlerische Bühne biete, nehmen wir sie in einem positiven Kontext wahr. So kann eine neue Wertschätzung entstehen.”

Ein großes Ihrer Themen ist der Insektenschutz. Inwiefern kann Kunst etwas dazu beitragen? Passen Naturschutz und Kunst überhaupt zusammen?

Die Beziehung von Kunst und Naturschutz liegt meiner Ansicht nach auf einer ganz speziellen Ebene, nämlich auf der Medialen. Lassen wir die hin und wieder aufkommenden Diskurse von Kunstbetrieb und ökologischem Fußabdruck mal beiseite, so besitzt die Kunst eine ganz besondere „Macht“. Sie kann etwas darstellen, dem:der Betrachter:in etwas vermitteln bzw. Fragen aufwerfen, ein Bewusstsein schaffen. Und das auch für Fragen des Naturschutzes. Ich bin der festen Überzeugung, dass alles was wir sehen eine Spur in uns hinterlässt und wenn es unterbewusst ist. Was wir sehen und womit wir uns umgeben wird auf uns wechselwirken und uns irgendwie prägen. Genau dies ist dann auch der Ansatz meiner Kunst und das, was meine Kunst zum Insektenschutz beitragen kann. Nur kurz mal nebenbei, gibt man „Insektenschutz“ in eine der großen Suchmaschinen ein, sind die ersten Seiten der Suche dominiert von Unternehmen und Produkten, die nicht den Schutz der Insekten zum Ziel haben, sondern ihre Vernichtung und Abwehr. Aber zurück. Meine Kunst soll unsere sechsbeinigen Freunde, und vor allem die „Underdogs“ unter ihnen, wie z.B. die Fliegen, in unser Bewusstsein bringen, ihnen eine künstlerische Bühne bieten. Nehmen wir sie dann in einem positiven Kontext wahr und sind wir uns ihnen bewusst, kann eine neue Wertschätzung entstehen. Fliegen sind nämlich faszinierende und für uns Menschen auch wichtige Mitlebewesen. Es gibt zahlreiche Studien, die nicht nur belegen, dass unsere Insektenwelt, und somit auch die Fliegen, durch menschliche Umweltzerstörung, Pestizide und Klimawandel bedroht sind, sondern auch entscheidende Highperformer im Bestäubungsbusiness sind. Somit sind Fliegen essenziell wichtig auch für die menschliche Nahrungsmittelversorgung. Sie gehören also wertgeschätzt und be- und geachtet. Wessen wir uns bewusst sind, werden wir achten und auch schützen. Das ist, was Kunst, was meine Kunst zum Insektenschutz beitragen kann.

Woher kommt Ihr persönliches Interesse am Thema Insekten und wann haben Sie beschlossen, sich diesem Thema künstlerlisch anzunehmen?

Um diese Frage zu beantworten muss ich tatsächlich in meine Kindheit und Jugend zurückgehen. Es gab zwei Menschen, die entscheidend dazu beigetragen haben, dass ich auf das Insekt gekommen bin.

Da ist zum einen mein geliebter und verehrter Großvater. Er war ein naturverbundener und wortkarger Ostpreuße, mit dem ich viel Zeit in seinem Selbstversorgergarten verbracht habe. Eines Tages, ich muss so 9 Jahre alt gewesen sein, half ich ihm beim Einsammeln von Kartoffelkäfern. Dann nahm er ein besonders großes Exemplar in seine Hand, zeigte es mir und sagte: “Junge, nur weil wir Menschen etwas zu einem Schädling machen, heißt das noch lange nicht, dass dieses Wesen keine Daseinsberechtigung hat.” Dies hat sich mir nachhaltig ins Gedächtnis gebrannt.

Zum anderen war da meine umtriebige Biologielehrerin im Bioleistungskurs im Gymnasium. Im wahrsten Sinne eine Naturgewalt, die mit uns, wann immer es möglich war, in die Natur gegangen ist. Pflanzen und Bäume bestimmen, Flechten kartieren und eben auch Insekten aufspüren und sie in das jeweilige ökologische Umfeld einordnen. Da entstand ein Erkenntnismoment nach dem anderen.

Dieses Interesse habe ich dann immer weiter verfolgt und im Laufe der Zeit mit Wissen aus Büchern und Vorträgen vertieft.

Neben der Natur bzw. den Insekten, begeisterten und begeistert mich bis heute die Kunst. Und so war es eine logische Konsequenz diese beiden Interessen miteinander zu verbinden. Die Inspiration dafür kam aus einer ganz bestimmten Richtung. Ich wage einmal zu behaupten, dass jede:r, die:der sich mit den Schnittmengen von Natur und Kunst auseinandersetzt, irgendwann bei Alexander von Humboldt landen muss. Sein damals revolutionärer Ansatz, dass „Fantasie und Vernunft“, also Kunst und Wissenschaft, im Zusammenwirken eine besondere Erkenntnis hervorbringen kann, hat mich und meine Intention bzw. Ansatz besonders geprägt. So wurden Insekten vor etwa 5 Jahren zu einem Hauptthema meines künstlerischen Schaffens.

“Meine Kunst ist in gewisser Weise eine kreative Evolution der Arten”

Sie schreiben Ihrer Website, dass “Transmutations” der Oberbegriff und Leitgedanke Ihrer Kunst sei. Können Sie uns erklären was es damit auf sich hat?

Auch dieser Begriff geht auf eine historische Person zurück. Ebenso wie ich im Kontext meiner Interessen und deren Schnittmengen auf Humboldt stieß, habe ich mich natürlich auch mit Charles Darwin beschäftigt. In seinem „Notebook B, Transmutation of species“, formuliert er erstmals den Gedanken, dass Arten möglicherweise eine Entwicklung durchlaufen. Dafür nutzte er eben diesen Begriff „Transmutation“. Der Begriff Evolution kam erst später auf.

Transmutation steht also im darwinschen Sinne für die Veränderung und Weiterentwicklung von Arten. Dies habe ich auf meinen künstlerischen Ansatz übertragen. Meine Kunst variiert und verändert Arten, nur eben in einem kreativen Kontext. Somit ist meine Kunst in gewisser Weise eine kreative Evolution der Arten und im Speziellen aktuell von Fliegen. Ich möchte sogar so weit gehen zu behaupten, dass sie eine echte Evolution bzw. Transmutation ist, denn die Menschheit bzw. der Homo Sapiens ist ja genau wie die Fliege Bestandteil der Welt und Natur und somit auch Facette einer evolutionären Kraft. Die Kunst / der:die Künstler:in als Evolutionswerkzeug. Oder etwas plakativer ausgedrückt: Die Evolution bzw. Transmutation der Fliege auf der menschlichen Leinwand. Und dies wirkt rück auf die menschliche Weiterentwicklung, denn aus meiner Kunst kann ein neues Bewusstsein, eine neue Erkenntnis (Fliegen sind faszinierend und schützenswert) entstehen. So würde auch der Mensch sich weiterentwickeln und ein kleines Stück transmutieren.

Welche Materialen und Farben verwenden Sie für Ihre Bilder?

Allgemein würde man bei mir sicherlich von Mixed Media sprechen. Ich verwende verschiedenste Materialien und Medien auch Schablonen. Bei genauerem Hinsehen lassen sich jedoch einige Konstante beobachten. Die Arbeit mit Ölfarben zum Beispiel, denn sie ist so vielseitig. Durch die Möglichkeiten an Vermischungen und Schichtüberlagerungen lassen sich faszinierende Effekte erzielen. Beispielsweise ist die teilweise Transparenz von Insektenflügeln mit Ölfarben sehr gut nachzuahmen. Auch wenn ich viel Übung und Versuche gebraucht habe, bis ich raus hatte, wie dünne Schichten, Flächenverläufe und Lichtreflexe zu gestalten sind, damit es funktioniert.

Eine weitere Konstante sind meine Trägermedien. Ich mache meine Kunst sehr gerne auf festem Untergrund, z.B. auf Holz- oder Aluplatten. In letzter Zeit kommt noch etwas Interessantes dazu. Blattgold. Die Farbe Gold beschäftigt mich schon eine Weile und nach einigen Versuchen mit Lacken habe ich mich an das echte „Zeug“ rangetraut. Auch hier ist Übung notwendig, wie ich schnell erfahren musste. Aber nach und nach wurde ich versierter und in meiner aktuellen Serie „Sancta Musca, die heilige Fliege“ kommt Blattgold als wichtiges Element neben Ölfarben und Lacken zum Einsatz.

Haben Sie schon Pläne für Ihre nächste Serie? Soll sie sich wieder um ein spezielles Insekt drehen?

Wie bei der vorherigen Frage angedeutet, entsteht aktuell eine Serie, die sich erneut um die Fliege dreht. Diese Serie heißt „Sancta Musca, die heilige Fliege“ und sie ist inspiriert von dem Kunsthistoriker Peter Geimer, der in einem seiner Bücher feststellt, dass Fliegen durchaus bemerkenswert regelmäßig in christlichen Heiligendarstellungen bzw. christlicher Kunst des Mittelalters und der Renaissance vorkommen aber selbst nie einen Heiligenschein abbekommen haben. Dies wäre wohl auch ein Sakrileg gewesen, so Geimer. Also wurde es Zeit für die erste heilige Fliege der Kunstgeschichte – das wage ich hier zu behaupten – auf welche eine Serie folgt, die aktuell entsteht.

Darüber hinaus habe ich bis jetzt keine konkreten Pläne aber natürlich Ideen. Der Kartoffelkäfer steht noch auf der Langzeitagenda und auch wenn sie keine Insekten sind aber Würmer würden mich auch mal reizen, nachdem ich vor einigen Jahren bereits mal einen Regenwurm gemalt habe. Wir werden sehen. Jetzt sind erstmal die Fliegen dran.

Wann und wo können wir Ihre Werke als nächstes bewundern?

Wer sich für die Fliegenkunst interessiert, findet immer die aktuellen Arbeiten auf meiner Homepage und hier kann natürlich auch mein Newsletter abonniert werden. Damit bleibst du immer auf dem Laufenden in der Fliegenwelt. Für den Sommer laufen gerade die ersten Planungen an für die nächste Ausstellung. Infos dazu folgen dann zur gegebenen Zeit auch über meine Homepage.

Ansonsten gibt es noch ein kleines Lieblingsprojekt von mir, welches quasi seit 3 Jahren konstant mitläuft. Die „GuerillaGalleryBerlin“. Dabei lass ich digitale Arbeiten von Fliegen auf Aluplatte drucken, bearbeite diese dann händisch z.B. mit wasserfesten Stiften nach und rahme sie. Diese klebe ich dann mit einem stabilen aber vollständig entfernbaren Spezialklebeband an öffentliche Orte im berliner Südwesten. Die Fliegenkunst als Streetart. Diese Bilder können betrachtet, bemerkt aber auch jederzeit mitgenommen werden, da sie sich wie geschrieben mit einem kleinen Rück abnehmen lassen. Und da sie auch nach gewisser Zeit verschwinden, möchte ich mir einbilden, dass das ein und andere den Weg in ein neues Zuhause gefunden hat. Also, Berliner Südwessis, Augen auf… Auch das soll die Fliege präsenter machen in unserem menschlichen Bewusstseinsfeld.

Miriam Loellmann hat in Rio de Janeiro einen Ort gefunden, an dem sie sich frei entfalten und entwickeln kann. Warum sie ihre Kunst in ihrem Wohnraum ausstellt und nicht über eine Galerie anbietet und wie sie die Betrachter ihrer Kunst in einen Zustand des Staunens und der Gegenwärtigkeit bringen will, erzählt sie im Interview.

Sie sind als junge deutsche Künstlerin Ende 2013 – sechs Monate nach Ihrem Kunststudium in Berlin – nach Rio gezogen, um dort von Null anzufangen mit der Vision sich voll und ganz der Kunst und Ihrer künstlerischen Gabe zu widmen. Haben Sie diesen Schritt je bereut und wie hat das Ihr Leben verändert?

Es gab keinen einzigen Tag hier in Rio, an dem ich meine Entscheidung, die ich damals sehr intuitiv und dennoch absolut entschlossen getroffen habe, bereute, obwohl ich durch sehr viele Schwierigkeiten und Herausforderungen gegangen bin. Ich sage immer, es war eine der besten Entscheidungen meines Lebens.

Was sich hier ganz klar verändert hat ist, dass ich, als ich in Rio ankam mir selbst begegnet bin und selbstverantwortlich für mich war, bzw. sein musste. Ich kannte kein Mensch und hatte anfangs niemanden, den ich fragen konnte und das hat mein Leben sehr verändert, weil mich das ganz anders auf meine Beine gestellt hat und ich schnell gelernt habe, noch stärker auf meine Intuition zu hören, denn sie war das einzige, was ich hatte und dem ich vertraute.

“Indem ich meinen Wohnraum als Schauraum für meine Kunst verwende, bekommen die Besucher einen sehr intimen und ehrlichen Einblick in mein Werk und was da dahinter steht und mit hinein fließt”

Seit vergangenem Jahr benutzen Sie Ihren Wohnraum als Schauraum Ihrer wunderschönen Kunstwerke, der für Kunstliebende auf Anfrage zugänglich ist. Wie sind Sie auf diese Idee gekommen und wie sind Ihre Erfahrungen damit?

Ich habe immer davon geträumt einen eigenen Raum zu haben, wo ich Dinge ausprobieren kann, Arbeiten hängen kann, experimentieren kann, mich entfalten und lernen kann, wo Menschen mein Werk entdecken und besichtigen können und schaute in Rio auch immer umher, wenn ich in den Straßen lief, ob ich irgendetwas interessantes sah, ein Schaufenster oder irgendetwas in der Art, aber irgendwie konnte ich nie etwas passendes finden und dazu kam die finanzielle Schwierigkeit so etwas in Rio zu finanzieren und auch der Gedanke, dass es in der Nacht nicht unbedingt sicher ist und ich dann Sicherheitskameras bräuchte usw.

Eines Tages saß ich hier in meinem Raum an dem großen Tisch, schaute mich um und plötzlich kam mir in den Sinn: ‘Eigentlich habe ich den perfekten Raum. Alles ist weiß, sehr gutes natürliches Licht, ich habe einige Wände, der Raum ist ruhig und sehr klar. Warum fang ich nicht einfach hier an und probiere aus, ob es mir überhaupt gefällt?’. So hing ich weitere Werke auf und drehte daraufhin meinen ersten Kurzfilm „firstTime”, der eine Auswahl an Arbeiten in diesem Raum zeigt, den ich dann an meine Kontakte, hauptsächlich in Europa, aber auch USA und Brasilien schickte. Das war sozusagen meine Eröffnung. Daraufhin kamen dann auch die ersten Besucher; ein in Italien und Rio lebendes Paar, dann ein früherer Kunde mit seinem Partner, der zwischen New York, Brüssel und Rio pendelt, ein anderer Kunstliebhaber kam aus Paris angereist und machte auf seiner Reise einen Stop bei mir, auch aus der französischen Schweiz, reiste eine Gruppe von Freuden hierher, die mich über ein grosses Wandbild-Relief, dass ich in meinem ersten Jahr hier in Rio für ein Hotel machte, entdeckten und mich für einen Besuch in meinem Schauraum kontaktierten.

2022 habe ich das einfach so ausprobiert und wusste überhaupt nicht, was mich da erwartet und am Ende des Jahres habe ich gestaunt, wie gut es geklappt hat, wie viele Menschen aus unterschiedlichen Orten hier waren, alle sehr inspiriert und beeindruckt. Wiederholt habe ich gehört, dass den Besuchern besonders gefallen hat, dass die Kunstwerke in einem Wohnraum hängen, indem man ein gutes Gefühl bekommt, wie die Werke in einer Wohnung wirken und wie es ist mit den Kunstwerken zu leben und das macht das ganze sehr lebendig. Auch beeindruckte sie es, einen Blick in mein Studio zu werfen, ein kleiner Raum nebenan, und das Umfeld zu spüren, indem ich lebe und arbeite. Dadurch bekommen die Besucher einen sehr intimen und ehrlichen Einblick in mein Werk und was da dahinter steht und mit hinein fließt.

Weshalb haben Sie sich gegen das “klassische Modell” entschieden, ihre Kunst über Galerien anzubieten? Hat das auch Nachteile für Sie?

Immer wenn ich an den Kunstmarkt und dessen Struktur dachte und dass ich mich da rein begeben muss, überkam mich ein dunkles Gefühl von Unmotivation und Schwere. Das irritierte und beschäftigte mich lange. Ich konnte mich da aus irgendeinen Grund einfach nicht klar sehen, eher so ein Gefühl von ‚ich muss das so machen, weil es so gemacht wird‘, beobachtete ich, das mich in der Tiefe jedoch nicht überzeugte.
Ich fragte mich auch immer wieder inwiefern eine Zusammenarbeit und vertragliche Bindung mit einer Galerie für die Entwicklung meiner Arbeiten wirklich gut und sinnvoll wäre, da es auch eine bewusste oder unbewusste Einmischung in meinen freien, unabhängigen Raum bedeuten würde. Das machte mir große Sorge, denn es gibt nichts Wichtigeres für mich, als mir meinen freien und eigenen Raum zu bewahren, indem mein Werk ungestört von fremden Einflüssen, in seinem ganz eigenen Rhythmus und Tempo entstehen kann. Genau das fordert es von mir.

Daneben nahm ich ein leises Stimmchen in mir wahr, dass mir immer wieder sagte, ‘hab doch den Mut einen ganz eigenen Weg zu gehen, den du selbst aus dir heraus erschaffst, den es so vielleicht noch gar nicht gibt’, und dabei spürte ich Aufregung, Motivation, Faszination und Neugier, zusammen mit viel Angst und Unsicherheit, von der ich mich immer wieder lähmen lies, bzw. lasse. Ich war lange hin und her gerissen, von Zweifeln und Fragen überschüttet, unfähig eine Entscheidung zu treffen, aber das Leben forderte eine klare Entscheidung von mir und ich entschied mich ein weiteres mal, trotz Angst und Unsicherheit, meinem inneren Ruf zu folgen, so wie damals nach Rio auszuwandern, und mich auf einen originellen, eigenständigen und direkteren Arbeitsstil zu konzentrieren, in dem ich die Verantwortung nicht an Andere abgebe. Das ist für mich derzeit die Form des Arbeitens, in der ich motiviert bin.

Hat es Nachteile in keiner Galerie vertreten zu sein? Das ist immer eine Frage der Betrachtung. Jeder Nachteil kann auch zu einen Vorteil werden. Ich lerne immer mehr mich bewusst auf das zu konzentrieren, was da ist, und damit baue und erschaffe ich etwas. Das haben mir meine Eltern schon in der Kindheit immer vorgelebt. An manchen Tagen denke ich, in einer Galerie könnte ich von dem schon vorhandenen Kundenstamm profitieren, dann staune ich wieder darüber, wie ich mir mein eigenes Klientel ganz langsam und bewusst aufbaue, indem ich immer kreativ bleibe, mir Neues und Originelles überlege, wie ich an Menschen komme, bzw. wie sie zu mir kommen können, und wie ihr Vertrauen in mich wachsen kann. Mit einer Galerie würde ich mir diese Fähigkeit wohl nicht so dringend aneignen. Eigenständig muss ich mich um vieles kümmern und mich auch mit ganz neuen, manchmal schwierigen Themen beschäftigen, sehr viel Geduld üben und Vertrauen aufbauen. Ich finde das unglaublich bereichernd, es erweitert den Horizont, bringt Frische und Bewusstsein mit hinein, zeigt mir auch ganz klar meine Schattenthemen, mit denen ich mich dann auseinandersetzen muss und all dies wirkt sich sehr positiv auf mein künstlerisches Schaffen aus, weil die innere Klarheit und Kraft stärker und feiner wird.

“In Rio habe ich einen sehr großen, distanzierten Raum ganz für mich, indem ich mich auf meine ganz eigene Art entdecken und entwickeln kann”

Sie schreiben auf Ihrer Website, dass Sie die Betrachter Ihrer Kunst in einen Zustand des Staunens und der Gegenwärtigkeit bringen wollen. Wie versuchen Sie das zu erreichen?

Wenn der Künstler beim Erschaffen absolut präsent und klar ist und sich nicht in den Gedanken verirrt, fließt diese Qualität auch in die Werke und das kann der Betrachter dann spüren, wenn es mit ihm in Resonanz geht. Wenn ich in meinem Studio bin, bin ich in einem Zustand des inneren Friedens, der Gegenwärtigkeit und einer sehr lebendigen, in meiner Tiefe pulsierenden Freude und immer wieder mit einem Staunen für das Wunder der Kunst, wie sie entsteht und wie einfach eine unendlich kreative Kraft durch mich und meine Hände fliesset, die dann formen und machen und plötzlich ist da ein Bild. Ich staune jedes mal von Neuem darüber und frage mich dann beim Betrachten ‚wer hat das gemacht? wie ist das entstanden?’ Das ist das Wunder der Kunst – jenseits der Worte; der Verstand kann es nicht erfassen.

Wenn ich beobachte, wie Menschen meine Arbeiten beobachten, sehe ich oft dieses Staunen in ihrem Ausdruck. Das freut mich immer sehr… wenn die Worte fehlen, dann ist die Gegenwärtigkeit da.

Inwiefern hilft Ihnen Ihr neues Zuhause in Rio die für Ihre Arbeit so wichtige Ruhe, Geduld und innere Achtsamkeit zu entwickeln?

Ich fühle mich in Rio sehr Zuhause und kann mich leicht orientieren, die Sprache und Klänge hier entspannen mich und lassen mich authentisch sein. Das kannte ich so noch aus keinem anderen Ort, in dem ich gelebt habe. Ich komme aus einer großen Künstlerfamilie und kam oft in Vergleiche und Unsicherheiten, die zu innerer Anspannung und Wut führten. Ich konnte mich nicht so frei entfalten, wie ich es hier kann, weil ich mich immer sehr beobachtet gefühlt habe und dadurch gehindert war, ich selbst zu sein. Hier in Rio ist das anders, hier habe ich einen sehr großen, distanzierten Raum ganz für mich, indem ich mich auf meine ganz eigene Art entdecken und entwickeln kann und fühle mich wohl und sicher darin. Das spiegelt sich für mich in meinem Schaffensprozess und in meinen Arbeiten wider.

Häufig kombinieren Sie in Ihren Bildern verschiedene Materialien. Beton, Kupfer, Leder, Metalle. Was begeistert sie daran?

Jedes Material hat eine andere Haptik, stahlt etwas anderes aus, regt etwas anderes an und hat seine ganz eigenen Eigenschaften und Qualitäten. Mich fasziniert besonders das Zusammenbringen unterschiedlicher Materialien, die dann miteinander klingen und wirken, das Kontraste bilden, Harmonien bilden und dadurch die Sinne anregen, besonders das Fühlen. Ich mag auch den handwerklichen Aspekt daran, weil jedes Material eine andere Art fordert, wie ich es behandle und in Form bringe. Beton und Gips giesse ich in die von mir gebauten Formen, oft experimentiere ich mit Pigmenten und poliere die festen Teile anschliessend von Hand. Bei den Metallen benutze ich meine selbst entwickelte Technik, sie zum Teil zu polieren oder zu brennen und andere Teile schleife ich von Hand, als zeichne ich darauf. Und so kommt mir immer wieder Neues in den Sinn, was ich mit den Materialien machen kann, wie ich sie kombiniere und bearbeite. Die Oberfläche der Bilder aus mehreren Materialien wird zu einem feinen Relief, was man vor allem von der Seite gut erkennen kann. Auf mich wirken diese Bilder sehr lebendig, wie stille Wesen mit viel Tiefe und Geheimnisvollem, das in ihnen ruht. Das tragen ja auch die verschiedenen Materialien in sich.

Was sind Ihre nächsten künstlerischen Projekte?

Gerade baue ich ein weiteres Archiv, um neue Arbeiten zu lagern. Sobald das fertig ist und wieder Platz in meinem kleinen Studio ist, widme ich mich neuen Bildern. Es gibt einige Bilder, die im letzten Jahr in mir entstanden sind und in mir reifen und jetzt in Form kommen möchten. Das Großformat liebe ich über alles, aber dieses Jahr möchte ich mich bewusst auf das kleine Format fokussieren und einlassen. Es bleibt spannend.

Manuel Mohr aus Leipzig malt sehr farbenfroh und energetisch. Im Interview erzählt er seinen Werdegang zu einem aufstrebenden, jungen Künstler und wie er sich einen Namen in der Kunstwelt machen will.

Ihre fantastischen Bilder zeigen bunte, fantasievolle Welten, teils abstrakt, teils mit erkennbaren Details. Über welche Reaktionen von Betrachtern ihrer Kunst freuen Sie sich besonders?

Meine Bilder sind so angelegt, dass jeder Betrachter auf seine eigene Weise mit ihnen in Resonanz gehen kann. Die Art des Dialogs liegt aber beim Betrachter selbst. Generell freue ich mich jedoch über jeden, der die Bilder so wie sie sind, also in ihrer Erscheinung auch aufnimmt und nicht unbedingt alles rational zu kategorisieren versucht. Erstaunen, anhaltendes Interesse oder spontane Begeisterung sind natürlich gern gesehen.

“Mein Kunststudium war größtenteils autodidaktisch und selbstverantwortlich”

Sie haben bis 2014 an der staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe studiert. Wie bewerten Sie Ihr Studium an der Kunstakademie im Rückblick?

Das Studium an der Kunstakademie Karlsruhe war nach dem Prinzip strukturiert, dass hochrangige Künstler als Professoren weitgehend selbst eine eigene Klasse zusammenstellten. Als Student konnte man in diesen Klassen sehr frei, in der Auseinandersetzung mit dem Professor und den Mitstudenten arbeiten. Das Studium war demnach alles andere als schulisch. In meinem Fall fanden die Besprechungen mit der Klasse und Franz Ackermann alle 3-4 Wochen statt. Hier bekam ich den nötigen Input, es wurde immer sehr gut erkannt, wo ich gerade künstlerisch stehe und welche Fragen meine Arbeit somit aufwarf. Ergänzend bot die Kunstakademie Vorlesungen zur Kunstgeschichte, Kunsttheorie und verschiedene feste technische Werkstätten an. Für mich besonders interessant waren die Werkstätten zur Maltechnik und zu verschiedenen Drucktechniken. Hier konnte man dann frei entscheiden, mit welcher Technik man sich beschäftigen möchte. Größtenteils war die künstlerische Arbeit jedoch autodidaktisch und selbstverantwortlich ausgelegt.

Insgesamt bewerte ich das Studium rückblickend sehr positiv. Es war eine interessante Zeit, die sowohl von Kollegialität als auch Konkurrenz geprägt war. Gelegentliche Exkursionen nach Paris, Istanbul oder Köln rundeten das Studium ab.

Von 2014 bis 2015 waren sie dann Meisterschüler von Franz Ackermann. Was bedeutet das konkret und wie hat Ihr Meisterschülerverhältnis zu Franz Ackermann Ihre künstlerische Entwicklung beeinflusst?

Konkret bedeutete das, noch ein weiteres Jahr den Status als Student aufrechtzuerhalten, von den Klassentreffen und Besprechungen weiter profitieren zu können und nochmal ganz frei an der Entwicklung der eigenen Kunst arbeiten zu können.

Die Frage nach der Nähe zur Kunst meines Professors beschäftigte mich in dieser Zeit besonders. Wichtig war mir, mich künstlerisch ausreichend von meinem Professor abzugrenzen. Was aufgrund meiner breiten Klaviatur an Farben und dem energetischen Bildaufbau nicht ganz leicht war.

Welche Strömungen und Künstler haben Sie abgesehen von Franz Ackermann in Ihrer Arbeit besonders beeinflusst?

Besonders beeinflusst haben mich der Impressionismus, der Kubismus, der Futurismus, der Surrealismus und die OP-Art. Ich kann allerdings fast jeder Strömung oder Kunstrichtung etwas positives abgewinnen.

Künstler die mich besonders interessiert haben wären unter anderen Hieronymus Bosch, Van Gogh, Franz Marc, Robert Delaunay, Max Ernst, Salvador Dalí, MC Escher, Roberto Matta, oder Niki de Saint Phalle.

Ist es schwer als junger Künstler von seiner Arbeit zu leben – und wie schafft man es sich einen Namen in der Kunstwelt zu machen?

Es ist sehr schwer! Die Professorin meiner Schwester, die auch Kunst studierte, begrüßte ihre Studenten mit dem Hinweis, dass lediglich ein Prozent von ihnen später von ihrer Kunst würden leben können. Nach meiner Beobachtung haut das so etwa hin. Jedenfalls ist es wichtig zu erkennen, dass Kunst und Künstler einerseits und der Kunstmarkt andererseits getrennte Welten darstellen. Als Künstler muss ich den Spagat schaffen, bei einem geneigten Publikum bekannt zu werden und trotzdem produktiv zu bleiben und mir in meiner Kunst treu zu bleiben und mich künstlerisch so zu äußern, wie es sich für mich authentisch anfühlt. Die Mittel und Wege, sich einen Namen zu machen ändern sich womöglich derzeit rasch, aber es ist immer hilfreich, Preise, Stipendien und Ausstellungen zu bekommen.

Natürlich versuche ich als Künstler in den sozialen Medien oder über eine SEO optimierte Homepage meine Reichweite zu erhöhen. Aber da ich der virtuellen Welt des Digitalen ja meine entschleunigte, analoge, handgemachte Malerei entgegensetze, ist die direkte Konfrontation mit den Bildern fast unumgänglich. Meiner Erfahrung nach sind echte Begegnungen mit Menschen auch viel mehr wert als Follower auf Instagram oder Facebook. Ich hatte auch das Glück, vor kurzem einen Galeristen kennen zu lernen, der mich bald ausstellen wird. Da es jedoch eine ausufernde Zahl an Künstlern gibt, die Berufsbezeichnung ist ja nicht geschützt, ist der Markt gesättigt und man muss sich in einen Verdrängungswettbewerb hineinbegeben. Hier spielen oft Glück, Beziehungen und Zufälle eine ebenso große Rolle wie die Qualität der gezeigten Werke.

Welche künstlerischen Techniken und Medien bevorzugen Sie in Ihrer Arbeit?

Ich male bevorzugt mit Acrylfarbe auf Leinwand. Ich bespanne meine Keilrahmen selbst und grundiere sie in einem aufwändigen Prozess in mehreren Schichten. Die Acrylfarbe kann fast alles, ist technisch sehr vielfältig und super unempfindlich und haltbar. Lösungs- und Malmittel sowie Pinselreiniger sind einfaches Wasser. Kein Terpentingestank. Sie trocknet schnell und ist vielfach übermalbar. Damit ist sie das ideale Medium für meine prozesshafte Arbeit. Allerdings benutze ich gelegentlich Spraydosen, da sie im Farbauftrag Effekte erreichen, die ich mit Pinseln so nicht hinbekomme.

Wann und wo können wir Ihre Werke als nächstes bewundern?

Auf meiner Homepage manuelmohrart.com lassen sich alle aktuellen Arbeiten besichtigen.

Eine Einzelausstellung ist in der Tanzzentrale Leipzig geplant, bisher noch ohne Termin. Eine weitere Einzelausstellung ist in der Redaktion des Stadtmagazins Ahoi Leipzig geplant bisher auch ohne Termin. Eine Ausstellungsbeteiligung zum Thema Landschaft ist in der CHARTER – Projektgalerie geplant, jedoch ebenfalls ohne Termin.